Clarence brilla en la escena alternativa con el lanzamiento de Smudge

Clarence, la talentosa artista bordelesa, ha logrado cautivar a la escena alternativa con su álbum debut Smudge, una obra que mezcla dream pop y shoegaze con una sutileza deslumbrante. Influenciada por leyendas del shoegaze como Slowdive y My Bloody Valentine, Clarence (alias Clarisse Cante) nos ofrece diez temas impregnados de melancolía, donde su voz delicada flota sobre una atmósfera de guitarras distorsionadas y reverberaciones profundas.

El tema Stay, lanzado en exclusiva, ejemplifica a la perfección la esencia de Smudge: una mezcla de fragilidad vocal y fuerza instrumental. La canción comienza con una atmósfera íntima y soñadora, para luego explotar en un final ruidoso y emocional, dejando al oyente en un estado de introspección absorbente. Clarence nos sumerge en un mundo donde la melancolía se entrelaza con la fuerza sonora, creando un paisaje musical en el que las emociones fluyen y se disuelven como manchas que se propagan en un lienzo.

Smudge es una experiencia inmersiva, una travesía a través de sonidos suaves y abrasivos que logran equilibrar lo etéreo con lo intenso. Clarence ha dejado una marca indeleble en el shoegaze contemporáneo, haciendo de su álbum un imprescindible para los amantes del género.

Silences We Shared: Celluloide reimagina sus clásicos con la tecnología original de hace 20 años

Celluloide, la banda de synthpop francesa, celebra el aniversario de su álbum Words Once Said con el lanzamiento de Silences We Shared, una colección de remixes que reinterpreta algunos de los temas más emblemáticos de su segundo álbum. Este trabajo no es simplemente un ejercicio nostálgico, sino un experimento de retro-ingeniería.

Lo que hace a este álbum particularmente especial es que los remixes han sido recreados usando los multi-tracks originales de 2003 en el mismo equipo y software musical que utilizaron para grabar el álbum hace 20 años. La banda se propuso volver a esa época, creando un trabajo que no sólo refleja su fidelidad a sus raíces, sino que también se siente fresco y revitalizado.

En Silences We Shared, los oyentes podrán experimentar un viaje auditivo único, donde los sintetizadores retro y las melodías minimalistas se combinan para evocar la esencia de los primeros años de Celluloide, con una mezcla perfecta de nostalgia y modernidad. Este álbum es un verdadero deleite para los fanáticos de la banda, especialmente aquellos que buscan revivir la magia de su segundo disco desde una nueva perspectiva.

Más de cuatro décadas de fidelidad a su sonido: Pet Shop Boys lanzan Nonetheless

El icónico dúo británico Pet Shop Boys regresa con su nuevo álbum Nonetheless, lanzado a través de Parlophone Records. En Nonetheless, Pet Shop Boys nos llevan por un viaje más sobrio y minimalista que en trabajos anteriores, evocando una gama de emociones sobre la condición humana sin caer en lo terapéutico o clínico. Comparado con su oscuro y profundamente introspectivo álbum de 1989, Introspective, este lanzamiento se siente complejo, cerebral y emocional, pero sigue siendo accesible para el oyente.

A pesar de ser un disco para fanáticos que ya conocen su estilo, Nonetheless muestra que los Pet Shop Boys siguen siendo fieles a sus raíces después de más de 43 años en la industria. No buscan innovar radicalmente, sino reafirmar su identidad electro-pop mientras exploran nuevas áreas sonoras, con una mezcla de lo cerebral y lo sentimental. La capacidad del dúo para mantenerse vigente mientras se mantienen fieles a sí mismos es palpable en cada uno de los temas.

¿Por qué leer poesía te fortalece?

 

Leer poesía es como hacer ejercicio para el cerebro. Así como cuando juegas o corres te vuelves más fuerte y ágil, cuando lees poesía, tu mente se vuelve más lista y rápida para entender el mundo que te rodea. Y hoy te explicamos porqué:

Las palabras tienen poder

Cuando lees poesía, aprendes a ver las palabras de manera diferente. Un poema puede decir muchas cosas con pocas palabras, y eso te enseña a pensar de manera más profunda. Al entender bien lo que lees, te das cuenta de cuando alguien intenta convencerte de algo que no es cierto, o cuando no te están diciendo toda la verdad.

Por ejemplo, si alguien te dice que debes hacer algo porque “todos lo hacen”, tú puedes preguntarte: ¿Es eso realmente cierto? ¿Por qué debería hacerlo sólo porque otros lo hacen? La poesía te ayuda a cuestionar lo que escuchas, a buscar significados y a no aceptar todo sin pensar.

Te enseña a interpretar y entender

La poesía está llena de metáforas, comparaciones y símbolos que no siempre son fáciles de entender. Pero cuando lees más poemas, te acostumbras a descifrar lo que significan. Esto es como resolver acertijos. Al volverte bueno en esto, también te haces mejor en entender lo que otras personas te dicen o te quieren hacer creer.

Por ejemplo, si en un comercial de televisión te dicen que necesitas algo para ser feliz, sabrás que están exagerando. Al leer poesía, aprendes a mirar más allá de las palabras y a pensar por ti mismo.

Te hace más creativo

La poesía te invita a soñar, imaginar, y ver el mundo de diferentes maneras. Cuando tienes una mente creativa, puedes encontrar soluciones diferentes a los problemas, y no siempre sigues a los demás sólo porque te lo dicen. Ser creativo significa que puedes encontrar tu propio camino, y no depender siempre de lo que te dicen.

Imagina que te dicen que sólo hay una forma de resolver un problema en clase, pero como tú lees poesía, sabes que hay muchas maneras de ver las cosas, y puedes descubrir una solución que otros no pensaron.

Te ayuda a expresar tus emociones

A veces las personas pueden intentar hacerte sentir miedo o inseguro para que hagas lo que ellos quieren. La poesía te enseña a conocer y expresar tus propias emociones. Cuando entiendes lo que sientes y sabes cómo expresarlo, no es tan fácil que alguien te manipule usando tus emociones.

Por ejemplo, si estás triste o enojado, puedes escribir un poema o entender lo que sientes leyendo uno. De esa manera, cuando alguien quiera aprovecharse de tu tristeza o enojo para hacerte tomar una mala decisión, estarás más preparado para no dejarte llevar.

Te invito a que empieces a leer, poemas pequeños como los haikús, verás que con el tiempo aprenderás a leer textos más complejos.

Ritmos pulsantes y creatividad sin límites: Aesthetische impacta con Confidence Is Silent

El dúo brasileño de electro Aesthetische, compuesto por Fab Viscardi y Gui Pires, regresa con un poderoso EP de seis temas titulado Confidence Is Silent, donde logran mezclar con maestría el oscuro dinamismo de la música dance con ataques cibernéticos de EBM (Electronic Body Music) y estribillos irresistibles de future pop. Este trabajo confirma una vez más la destreza de Aesthetische en la producción y su capacidad para fusionar géneros sin perder su identidad.

El tema que da título al EP, "Confidence Is Silent", es un guiño directo a influencias como Cyberaktif y Front Line Assembly, creando una atmósfera oscura y poderosa que se combina a la perfección con el pegadizo himno EBM-pop "Nudity". Otro momento clave del EP es "The Hidden Layer", una pista contundente de EBM que lleva al oyente a través de un viaje mental con su fuerza y ritmo incesante.

El EP también incluye una sorprendente incursión en terrenos más experimentales con "Everything Ends," un paisaje sonoro industrial y sombrío que refleja la versatilidad del dúo. Aesthetische demuestra que domina a la perfección la producción y la escritura de canciones, con detalles pulidos y una ejecución que los coloca como líderes en la escena underground del techno y EBM.

Con Confidence Is Silent, Aesthetische invita a sus seguidores a rendirse ante los pulsos rítmicos de sus creaciones y dejarse llevar por una aventura sonora intensa y electrizante. Cada tema es una inmersión en un universo diferente, ofreciendo una experiencia única en la pista de baile.

Star 10110: El viaje gélido y atmosférico de Walter Frosch

 

El dúo suizo Walter Frosch, compuesto por Mike Saxer y Rune Dahl Hansen, ha lanzado su más reciente creación Star 10110, un álbum que nos sumerge en un mundo sonoro cargado de texturas gélidas, percusiones fantasmales y una niebla electrónica envolvente. Inspirándose en la rica tradición de los pioneros del synth suizo como Grauzone y Mittageisen, y añadiendo toques contemporáneos de dream-pop narcotizado, Walter Frosch logra un equilibrio entre el post-punk más agudo y un synthpop que irradia melancolía.

Star 10110 se compone de ocho pistas donde los ritmos downtempo helados se entrelazan con vibrantes líneas de bajo y profundas atmósferas. Cada tema, con sus pulsaciones electrónicas y melodías inquietantes, mantiene al oyente en un estado de fascinación constante. La combinación de percusión de club y tonalidades frías genera una energía latente que se desenvuelve lentamente, creando una experiencia sonora que oscila entre la melancolía y lo celestial.

Walter Frosch logra, con este álbum, transportar al oyente a un mundo crepuscular lleno de texturas glaciares y un atractivo empíreo. Sus sintetizadores rapturantes y los bajos propulsivos actúan como el latido constante que guía al oyente a través de paisajes sonoros misteriosos y atmosféricos. Star 10110 no es solo un álbum, sino una inmersión en la estética electrónica más gélida y evocadora que la música suiza actual tiene para ofrecer.

Yolanda Castaño y la profesionalización de la poesía: Un termómetro de desarrollo

El ensayo más reciente de la poeta gallega Yolanda Castaño, Economía e poesía: Rimas internas, es una reflexión sobre la relación entre la profesionalización de la literatura y el nivel de desarrollo cultural de un país. La autora, ganadora del Premio Nacional de Poesía 2023, sostiene que el número de poetas que pueden vivir de su oficio es un reflejo del progreso de una nación y de la importancia que esta otorga a su cultura.

Castaño compara países como Alemania y Suecia, donde existen ayudas que permiten a escritores dedicarse plenamente a su arte, con la realidad de España y Galicia, donde esas medidas todavía son una aspiración lejana. Estas subvenciones, que Castaño describe como "un sueldo mínimo para poder dedicarte en cuerpo y alma a la literatura", son vistas por la poeta como fundamentales para evitar que la escritura sea sólo accesible para quienes pueden permitirse no ser remunerados por ello.

En su ensayo, Castaño aborda lo que denomina el "divorcio" entre economía y poesía, un fenómeno que considera heredado de una visión romántica que asocia la poesía a una espiritualidad separada de las condiciones materiales. Esta desvinculación, según la poeta, ha llevado a la marginalización del oficio y a la creación de una brecha de clase en el ámbito literario. Para la autora, es esencial reivindicar la poesía como una profesión legítima que debe ser compensada como cualquier otra actividad creativa.

Castaño también destaca el papel de las instituciones públicas en la profesionalización de la poesía. Según ella, el mercado no es suficiente para sostener ciertas disciplinas creativas, y las instituciones deben intervenir para preservar formas de expresión menos comerciales, como la poesía, frente a la predominancia de manifestaciones culturales masivas.

Yolanda Castaño no sólo defiende la necesidad de que los poetas reciban una remuneración justa, sino que promueve un sentido de comunidad y conciencia gremial, reconociendo que la creatividad no puede ser un privilegio reservado para unos pocos. Su lucha por una mayor profesionalización de la poesía es, en esencia, una lucha por la democratización del arte y la cultura.

Fuente: Efe

Euphoria: La perfecta fusión entre el arte sonoro y la crítica social según Monya

 Con Euphoria, Monya reafirma su posición como una de las figuras más influyentes del techno industrial contemporáneo. Desde su debut en HANDS en 2019, la productora alemana ha sido reconocida por su habilidad para fusionar lo personal y lo político a través de un sonido intrépido y profundamente experimental. En este nuevo álbum, compuesto por 11 pistas que abarcan 64 minutos, Monya nos sumerge en una experiencia tanto física como intelectual, explorando la intensidad y la introspección.

Cada tema en Euphoria es una obra en sí misma, donde secuencias de EBM, voces inquietantes y contundentes beats techno se entrelazan para crear un paisaje sonoro único. Monya logra un delicado equilibrio entre la velocidad y la intensidad de sus composiciones, permitiendo que cada elemento brille por sí solo. Desde los ritmos pulsantes que incitan al movimiento hasta las atmósferas más densas y emocionales, el álbum es una travesía por los extremos del techno industrial.

A nivel temático, Euphoria es un testimonio de la capacidad de Monya para transformar su arte en un comentario social. Las luchas internas y los temas políticos se entremezclan, mostrando cómo la música puede ser un vehículo tanto para la expresión personal como para la crítica cultural. Cada pista de este álbum no solo estimula los sentidos, sino que también invita a la reflexión sobre cuestiones profundas.

Euphoria es una obra maestra de sonido y significado, que muestra a Monya en su forma más pura: una artista que no tiene miedo de explorar los rincones más oscuros y, al mismo tiempo, exponer las tensiones del mundo que la rodea.

El ego en llamas: el nuevo álbum de Room of Wires · Station Zero

Carbon Based Shrine es una inmersión profunda en el caos emocional y la dualidad humana. El nuevo álbum de Room of Wires · Station Zero se presenta como un sueño febril empapado de distorsión, un canto agónico al colapso del ego. A lo largo de sus pistas, se entrelazan conceptos antagónicos como serenidad y agresión, amor y odio, vida y muerte, para crear un mosaico sonoro que captura la esencia contradictoria de la experiencia humana.

El álbum abre con "Sand Eater", una pieza que evoca una sensación de destrucción inminente. Con un tono cargado de fatalismo, esta pista establece el sufrimiento como el marco inicial de una espiral que va desmoronándose con cada nota. La densidad y la pesadez de esta introducción crean una atmósfera de desesperanza que se va despojando gradualmente conforme el álbum avanza.

A medida que Carbon Based Shrine progresa, la agresividad inicial da paso a momentos más introspectivos y reveladores, donde se percibe un resplandor constante y abrasador que atraviesa el núcleo del álbum. Las texturas sonoras se tornan tensas y cautivadoras, construyendo un paisaje auditivo implacable, pero fascinante, que deja al oyente en un estado de inquietud y reflexión.

Este trabajo es un testamento a la capacidad de Room of Wires · Station Zero para captar lo visceral y lo etéreo en un solo aliento, entregando un álbum que es tanto una batalla interna como una liberación espiritual. La intensidad sonora y emocional de Carbon Based Shrine lo convierte en una experiencia sonora implacable y cautivadora.

Phase Fatale explora los extremos del techno con su nuevo EP Love Is Destructive.

Love Is Destructive, el más reciente EP de Phase Fatale (Hayden Payne), marca un cambio definitivo hacia un territorio puramente techno, mientras mantiene su característico enfoque narrativo y sonoro. Este trabajo de cuatro pistas, lanzado a través de su sello BITE, refleja la energía cruda y las corrientes subterráneas que acompañan a la conclusión emocional, en un viaje sonoro que oscila entre la tensión y la liberación.

El EP abre con la pista que le da título, "Love Is Destructive", un corte que establece un ambiente cargado de vigor, con grooves imperativos y una actitud intrépida que pone en marcha el tono del disco. Payne logra crear una experiencia inmersiva donde lo orgánico y lo mecánico convergen, como lo demuestra en "Magma Driver", una pista llena de texturas metálicas y elementos psicodélicos que añaden profundidad a la atmósfera.

El contraste es un elemento clave en este trabajo, como se aprecia en los temas "Ambivalence" e "Introjection", donde las muestras vocales procesadas y los toques de dub techno se entrelazan con ritmos rotos, generando una sensación de resolución esperanzadora. Esta dualidad, entre la sensualidad romántica y las frías texturas mecánicas, se refleja también en la obra de arte del EP: rosas que surgen entre engranajes, representando la destrucción y la belleza en perfecta simbiosis.

Con Love Is Destructive, Phase Fatale reafirma su habilidad para fusionar los elementos aparentemente más opuestos del techno en una narrativa sonora cohesiva, creando una experiencia auditiva que abarca tanto la intensidad emocional como la precisión técnica. Este EP, dedicado a Juan, Simone y Luis, representa una evolución en su sonido, explorando los límites de la energía pura del techno mientras invita al oyente a sumergirse en un viaje sin fronteras.

Entre sombras y esperanza: The Awakening, el poderoso álbum conceptual de Sensuous Enemy

El tan esperado regreso de Sensuous Enemy a la escena musical llega con The Awakening, un álbum conceptual que explora los rincones más oscuros del alma y la lucha interna que todos enfrentamos. Lanzado el 19 de abril de 2024 bajo el sello Distortion Productions, esta obra es una travesía emocional y personal que abarca temas tan profundos como la muerte, la aceptación de uno mismo y la luz que todos llevamos dentro.

Con una combinación de programación y guitarras a cargo de John Freriks, baterías y sintetizadores de Bob Hensley, y la poderosa voz y letras de Jai Ingersoll, The Awakening es un viaje sonoro que fusiona el darkwave, el synthpop y el rock electrónico en un caleidoscopio de emociones. La banda, originaria de Madison, WI, ha sabido canalizar los desafíos que enfrentaron en los últimos años en una obra que busca consolar y resonar con sus seguidores.

Cada pista del álbum refleja un aspecto del proceso de autodescubrimiento, desde la crudeza emocional hasta la transformación interior. Las letras introspectivas de Ingersoll, respaldadas por las capas sonoras oscuras y melódicas, invitan al oyente a explorar su propia lucha interna. Temas como "Fire in the Dark" y "Rebirth" actúan como puntos clave del disco, ofreciendo una mezcla de desesperanza y esperanza, con momentos que van de lo sombrío a lo luminoso.

The Awakening es más que un álbum; es un manifiesto de resistencia y evolución emocional, que busca ofrecer confort y comprensión en tiempos de incertidumbre.

Industrial crudo y sin concesiones: Acylum nos sumerge en los horrores de la guerra con Zuchthaus

El dúo alemán Acylum, compuesto por Nadine y Pedro Engel, nos presenta su más reciente y polémica creación, Zuchthaus (Bonus Version), un álbum que se sumerge en las profundidades más oscuras de la naturaleza humana. Con un grito de guerra que clama "¡Lucha! Victoria o muerte", Acylum nos arrastra a un campo de batalla perpetuo, donde los ecos de la guerra, la locura y la miseria resuenan en cada rincón.

Este trabajo es, sin duda, el más sombrío y cargado de desesperanza que la banda ha lanzado hasta la fecha. Los ritmos pesados y marciales, la atmósfera fría y oscura, y las vocales intensas y emocionalmente agresivas, nos envuelven en un mundo donde la humanidad parece condenada a repetir sus errores. Con referencias al horror de los gulags, los asesinatos y la locura de la guerra fría, el álbum es un golpe sonoro directo al alma.

Sin embargo, en medio de esta brutalidad industrial y la opresión sonora, Acylum logra tejer melodías adictivas que atrapan al oyente en una especie de trance oscuro. Canciones como "Gabriel" y "1000 Meilen" añaden momentos más lentos y melancólicos, acercándose al sonido etéreo de su proyecto paralelo Totem Obscura, que ofrece un respiro entre tanta agresividad.

El toque místico de la mitología nórdica se cierne como una sombra sobre el álbum, aportando una dimensión casi ritual a la experiencia sonora. Zuchthaus no es un álbum para los débiles de corazón, sino una obra maestra para aquellos que buscan adentrarse en la oscuridad más cruda y confrontar las realidades más duras de la existencia humana.

Los siete pecados capitales cobran vida en el oscuro y seductor álbum de Split Vision

Seven Deadly Sins, lanzado el 3 de mayo de 2024 por Split Vision, entremezcla ritmos nostálgicos de los sintetizadores de los 80 con un enfoque contemporáneo. A través de sus siete canciones, cada una inspirada en un pecado capital, la banda logra crear una atmósfera cargada de energía oscura y seductora, donde lo retro y lo contemporáneo se encuentran en perfecta sintonía.

El sencillo "Greed", que fue el primer adelanto del álbum, ya nos daba una pista de lo que podíamos esperar: una mezcla de ritmos industriales, electrónicos y sintetizadores modulados que, al igual que la codicia misma, busca apoderarse de todo a su paso. Las letras de cada pista abordan de manera directa y cruda los temas de los pecados, destacándose especialmente "Envy" y "Pride" por sus reflexiones sobre las luchas internas que nos consumen.

Temas como "Gluttony" y "Wrath" resuenan con una intensidad casi cinematográfica, con instrumentales que alternan entre lo frenético y lo denso, evocando imágenes de excesos y caos incontrolable. Mientras que canciones como "Lust" juegan con ritmos más seductores, sin perder ese toque sombrío y provocador que caracteriza a la banda.

Seven Deadly Sins es un álbum que logra equilibrar lo pesado con lo melódico, lo caótico con lo ordenado, ofreciendo una experiencia auditiva envolvente para los amantes del synthpop y la electrónica experimental. Split Vision se presenta como una banda que, aunque influenciada por el pasado, mira firmemente hacia el futuro.

 

Un viaje sónico rebelde: I Hate You, Patriarch Fuck! de Intrusive Pinky

El Ep I Hate You, Patriarch Fuck! de Intrusive Pinky se presenta como una explosión sonora que desafía cualquier categoría tradicional. Desde el primer tema, es evidente que este EP no es para los débiles de corazón. Intrusive Pinky marca su territorio con un sonido que se mueve entre la electrónica experimental, el synthwave, y el industrial, encontrando un equilibrio caótico entre el gancho melódico y la desobediencia sónica. Las canciones de este álbum capturan la ira y el empoderamiento, encapsulados en ritmos pesados y sintetizadores que crujen con cada nota.

El tema "Past Midnight" es un himno nocturno, en donde la actitud desafiante y el brillo glam se entrelazan con una cadencia que te arrastra a la pista de baile. "Buy Me A Motorbike!" mezcla lo absurdo con lo futurista, mientras que "Polar Bears And Rainbows" nos transporta a un viaje onírico a través de paisajes surrealistas con osos polares y pingüinos, todos a bordo de una lancha a motor. Por último, "Stuck In My Head" captura la desesperación de una melodía que no se puede sacar de la mente, una metáfora perfecta de la persistencia de las emociones intensas.

La producción de este EP juega con texturas ásperas y sonidos modulares que pican el cerebro de la mejor manera posible. Intrusive Pinky ha creado un álbum que es tan intenso como intrigante, lleno de energía rebelde y un sentido del humor oscuro que no tiene miedo de romper las normas. I Hate You, Patriarch Fuck! es un manifiesto musical para aquellos que se atreven a ser diferentes, un grito desafiante en la noche que no se silenciará fácilmente.

Thief explora la fragilidad de la memoria en su perturbador álbum "Bleed, Memory"

Bleed, Memory, el cuarto álbum de la banda experimental electrónica Thief, es una exploración profunda y personal del tema de la memoria, tanto a nivel lírico como musical. Inspirado por la experiencia de Dylan Neal, el cerebro detrás de Thief, al presenciar la lucha de su padre contra la demencia, este álbum se sumerge en la desintegración de los recuerdos, la identidad y la dignidad humana. Neal canaliza su dolor y confusión en una obra que mezcla elementos de música sacra, ambient, industrial, black metal y trip-hop, creando una experiencia sonora única y perturbadora.

El uso de técnicas como la 'síntesis granular' y la manipulación de cantos sagrados ortodoxos le da a Bleed, Memory una cualidad fantasmal, como si los recuerdos se manifestaran como espectros sonoros. Las pistas en el álbum se sienten como un recorrido por un laberinto emocional, donde cada esquina revela un fragmento de memoria distorsionado y desolador. La combinación de las atmósferas inquietantes y la producción detallada de Neal, junto con el trabajo de masterización de John Greenham, convierte a Bleed, Memory en una obra de arte total, donde la música, las letras y la estética visual se fusionan para transmitir una poderosa reflexión sobre la fragilidad de la mente humana.

Este álbum no es sólo una obra musical, sino un testimonio de la lucha contra una enfermedad devastadora, y un recordatorio de cómo los recuerdos, aunque intangibles, pueden perseguirnos como fantasmas en la oscuridad.