Isabelle Dekeyser resurge y brilla en el nuevo capítulo de la banda belga

Tras el repaso íntimo y poderoso de su trayectoria en Echoes Of Time, The Breath of Life irrumpe de nuevo con Slowly Crashing, un EP de cuatro temas que marca su regreso con fuerza, sensibilidad y una renovada energía creativa. Este lanzamiento no solo es musicalmente significativo, sino también profundamente humano: llega después de que Isabelle Dekeyser, la icónica vocalista del grupo, enfrentara serios desafíos de salud, deteniendo momentáneamente su carrera.

Lejos de apagarse, la llama artística de la banda belga resurge con intensidad. Slowly Crashing es un viaje hipnótico a través de noches inquietas, donde la voz etérea de Dekeyser flota sobre líneas de bajo pulsantes y guitarras electrizantes, creando una atmósfera oscura pero profundamente envolvente. La canción homónima y “Down We Go” reciben versiones electrónicas reimaginadas por KEZDOWN, ampliando el espectro emocional y sonoro del EP.

Destaca además su reinterpretación de “The Part You Can’t See” de PSY’AVIAH, transformando el tema en una gema post-punk/new wave que mantiene la esencia del original pero con la impronta única de The Breath of Life.

Con Philippe Mauroy (guitarra, programación), Giovanni Bortolin (violín, teclados) y Didier Czepczyk (bajo), la banda demuestra que el paso del tiempo y las pruebas personales no han hecho más que afilar su propuesta. Slowly Crashing no es un símbolo de resiliencia, evolución y belleza oscura. 

El arte de rasgar el sonido: Craig Dyer presenta su álbum más experimental

 

Con Décollage, su duodécimo álbum de estudio, The Underground Youth da un giro audaz y meticuloso a su trayectoria sonora. Liderados por Craig Dyer desde Berlín, la banda post-punk deja atrás la melancolía introspectiva de Nostalgia’s Glass para adentrarse en un paisaje musical más experimental, donde el desgarro artístico se convierte en método de creación.

Inspirado en la técnica visual del décollage —el arte de rasgar y eliminar fragmentos para revelar una nueva imagen—, Dyer aplica este principio al sonido: construye capas de ruido, arreglos de cuerdas a lo Lee Hazlewood, melodías de mellotron a la Gainsbourg, y ritmos prestados del hip-hop, solo para desmontarlos, rasgarlos, y revelar una nueva identidad musical. El resultado es un álbum envolvente y onírico, donde la sensibilidad trip-hop se funde con letras que oscilan entre la adoración, el linaje, la revolución alucinada y la esperanza nacida de los escombros.

Desde pasajes minimalistas y espectrales hasta crescendos melódicos de gran intensidad, Décollage no solo muestra una evolución sonora, sino también una reafirmación del espíritu vanguardista del grupo. The Underground Youth no teme reinventarse; al contrario, hace de la destrucción un acto de renacimiento.

Cinemático, gótico y envolvente: Promise and Fear, el nuevo sencillo de Truly Lost

 Truly Lost nos sumerge en un universo oscuro y cinemático con Promise and Fear, un sencillo que convierte el desasosiego en movimiento. Con una fusión de electrónica alternativa, atmósferas industriales y sintetizadores pulsantes, el proyecto crea un sonido hipnótico que sirve como un llamado de auxilio disfrazado de pista de baile.

Las canciones Tender Pyres y Alien Hand son verdaderos paisajes sonoros de nostalgia y extravío, donde la tensión ambiental se entrelaza con beats enigmáticos. Entre la melancolía gótica y la fuerza del EDM, Promise and Fear se erige como una elegía para aquellos que han perdido el rumbo, invitándonos a danzar en la penumbra mientras nos enfrentamos a nuestros propios miedos.

Entre la seducción y la desilusión: el nuevo álbum de Propter Hoc nos enfrenta a la era digital

Propter Hoc nos entrega en Seduction and Betrayal una exploración sonora de lo físico y lo tangible, en contraste con la progresiva degradación del mundo digital. A través de melodías evocadoras y una producción que equilibra lo orgánico con lo electrónico, el álbum nos sumerge en un universo donde las experiencias culturales se viven en el cuerpo: el tacto de un libro, el peso de una prenda, la energía del baile.

Inspirado en la obra de Elizabeth Hardwick, el disco reflexiona sobre la seducción y la traición, tanto en la literatura como en la vida. Temas como George Eliot’s Husband juegan con la idealización del amor y la influencia de las relaciones en la creatividad, mientras que la portada—con las manos de Georgia O’Keeffe fotografiadas por Alfred Stieglitz—refuerza la idea de lo artístico como algo vivido y sentido.

El resultado es un trabajo elegante y profundo, que desafía la frialdad de la era digital y nos recuerda que seguimos siendo cuerpos en movimiento, en constante atracción, en una danza entre la belleza y la desilusión.

Misticismo y armonía en el nuevo álbum de Taurwen: Palingenesia

Con Palingenesia, Taurwen nos sumerge en una experiencia sonora profundamente espiritual, donde la música se convierte en un canal para la contemplación y el reencuentro con la naturaleza. Oguzhan Durukan, quien compuso y arregló el álbum en su totalidad, nos ofrece un viaje que trasciende lo terrenal, explorando la relación sagrada entre el ser humano y el mundo natural.

Desde su concepción, Palingenesia es una obra que busca inspirar un despertar filosófico y existencial. A través de paisajes sonoros envolventes, instrumentación meticulosa y una producción que respira misticismo, el álbum nos invita a enraizarnos en el presente sin perder de vista el flujo eterno de la vida. La voz invitada de Katarzyna Morra Karoń en Molten añade un matiz hipnótico que refuerza la sensación de trascendencia y renacimiento.

Palingenesia nos recuerda que somos a la vez herederos y creadores del futuro. Cada sonido, cada melodía nos llama a vivir en armonía con la naturaleza y a comprender que el verdadero crecimiento radica en honrar los ciclos de la existencia.

Para los oyentes en busca de una experiencia musical que combine introspección, fuerza y belleza, Palingenesia es una obra que no sólo se escucha, sino que se siente en cada fibra del ser.

Echo Still Remains, un debut de ensueño cinematográfico

El renombrado fotógrafo y director Robert Ascroft da un giro inesperado en su carrera con Echo Still Remains, su primer álbum, una obra de atmósferas envolventes que recuerda la sensibilidad cinematográfica de Until The End of The World de Wim Wenders y la estética etérea de This Mortal Coil bajo el sello 4AD.

Para este debut, Ascroft ha reunido un elenco de lujo con voces tan icónicas como Christopher Owens (Girls), Kid Congo Powers (The Cramps, Gun Club, Nick Cave and the Bad Seeds), Britta Phillips (Luna, Dean & Britta), Tess Parks, Ruth Radelet (Chromatics), Guy Blakeslee (The Entrance Band), Ora Cogan y Zumi Rosow (Black Lips). Cada interpretación se funde en un tapiz sonoro de guitarras melancólicas, sintetizadores espectrales y una producción detallada que evoca la belleza de la decadencia.

El sencillo Should've Stayed in Bed, con la inconfundible voz de Christopher Owens, nos sumerge en una pieza de introspección al estilo de Lou Reed y Nick Cave, acompañada de un videoclip dirigido por el propio Ascroft, con una estética inquietante digna de David Lynch. La producción del álbum cuenta con nombres de peso como Ted Young (Rolling Stones, Kurt Vile, Sonic Youth), Larry Crane (Elliott Smith, The Shins, She & Him) y Manny Nieto (Kim Deal, The Breeders), asegurando una mezcla pulida y emocionalmente cruda.

Con Echo Still Remains, Robert Ascroft no sólo demuestra su talento tras la lente, sino que también nos invita a un universo musical lleno de nostalgia, sutileza y un refinado sentido narrativo.

Electrónica nostálgica y moderna: Bérèche You lanza The Price of Love

Con The Price of Love, Bérèche You nos ofrece una elegante síntesis de su colaboración con Cassiel Agrippa, presentando versiones definitivas de temas previamente lanzados, junto con nuevas composiciones que expanden su universo sonoro. Este álbum es una oda al synthpop más clásico, un trabajo que captura la esencia de la escena electrónica de los años 80 sin dejar de sentirse fresco y vibrante.

El sencillo Adore Me es un claro ejemplo de esta fusión de tradición y modernidad. Con letras que evocan una travesía por géneros de baile—“I've done the tango, and I have done the swing”—la canción resuena con la sofisticación característica del sello noruego Crab Key Records. La producción es meticulosa y envolvente, ofreciendo melodías pegajosas, sintetizadores brillantes y un pulso rítmico que invita a la pista de baile.

The Price of Love no es una colección de canciones bien trabajadas que no dejará indiferente a los seguidores del género, este álbum es una celebración de la nostalgia ochentera con un enfoque contemporáneo, consolidando a Bérèche You como un nombre imprescindible en la escena electrónica actual.

Distorsión y catarsis: el caos sonoro de The Drowning Man

El nuevo álbum de Wander, The Drowning Man, es un caos controlado, una obra en la que el artista ha volcado su obsesión por el detalle y su deseo de romper límites. Concebido en un proceso de reinvención personal y creativa, este trabajo es una inmersión profunda en sonidos ásperos y distorsionados, donde el post-punk y el coldwave se mezclan en un remolino de emociones crudas.

Desde los sintetizadores saturados hasta las guitarras que rozan la agresividad del black metal, The Drowning Man es un álbum que no busca complacer, sino provocar. Las voces desgarradas flotan como un presagio oscuro sobre ritmos caóticos y texturas abrasivas, en un ejercicio de exploración que desafía cualquier expectativa previa. Wander se entrega por completo a la catarsis, dejando que la música se construya en la espontaneidad de la experimentación.

Nacido de la insatisfacción y la necesidad de empezar desde cero, The Drowning Man representa un punto de inflexión en la trayectoria de Wander. Es un disco honesto, crudo y visceral, en el que cada imperfección es parte de su esencia. Para quienes disfrutan de la música sin filtros, este álbum es una tormenta de sonidos en la que perderse es parte del viaje.

RETRO-spectiva 2015 parte 2

Para pensar en la música de hace 10 años, lo mejor es echarle un buen vistazo a esa década. Cristhian Sonar se adentra en esos años y nos cuenta cómo ha cambiado la música con el tiempo.

Esta retrospectiva "2015-2025: 10 años de música y sus aportes" empieza en 2015. Así que dale play a esta primera parte y prepárate para un viaje musical genial.

Tracklist de esta segunda parte de música notable de 2015.

1. Panda Bear - Selfish Gene

2. SOFIA RETA - GRIND

3. Coma - Lora

4. Selofan - Tristesse

5. JD SenuTi - Composite

6. UV/Light - Darby Dharma

7. Nuage - Nulla

8. Portico - 101 (ft Joe Newman)

9. Mark System - Rainfall

10. Minuit Machine - Honey

11. Lebanon Hanover - Broken Characters

12. Chelsea Wolfe - Grey Days

13. Venera 4 - Eidôlon

14. Jamie xx - Loud Places feat. Romy 

Steal The Light: Rohn-Lederman transforma su música con colaboraciones de lujo

 

El dúo internacional Rohn-Lederman, formado por la vocalista estadounidense Emileigh Rohn (Chiasm) y el experimentado músico belga Jean-Marc Lederman (The Weathermen, Ghost & Writer), regresa con Steal The Light, un EP digital que vio la luz el 4 de febrero de 2025. En esta nueva entrega, el dúo reinventa su propio sonido con la ayuda de un elenco de renombrados artistas de la escena electrónica.

Este trabajo se compone de remixes reinterpretados por figuras como Stefan Netschio (Beborn Beton), Noemi Aurora (Helalyn Flowers), Aiboforcen y el mexicano Sarmen Almond (Man In Motion), quienes aportan su visión personal a la atmósfera cinemática e industrial característica del dúo.

Lo que hace especial a Steal The Light no es sólo su exploración sonora, sino la forma en que Rohn-Lederman equilibra lo melódico con lo inquietante. La etérea voz de Rohn, cargada de una emotividad casi hipnótica, se entrelaza con las instrumentaciones de Lederman, que oscilan entre el synth envolvente y los paisajes oscuros del EBM. El resultado es una experiencia inmersiva que juega con el contraste entre lo luminoso y lo turbio, ideal para almas insomnes en busca de una banda sonora para sus pensamientos nocturnos.

Más que un simple EP de remixes, Steal The Light es una muestra de la versatilidad de Rohn-Lederman y su capacidad de reinventarse sin perder su esencia. Un viaje sonoro que confirma su lugar en la vanguardia de la música electrónica oscura.

Del darkwave al alt-rock: Corlyx explora todas sus influencias en Purple Pain

El trío de death pop Corlyx está listo para marcar un hito en la escena oscura con Purple Pain, su álbum más ambicioso hasta la fecha. Con 19 pistas que fusionan synthpop ochentero, post-punk, darkwave y alt-rock, este doble LP encapsula la esencia de la banda en su máxima expresión.

Desde su formación en Los Ángeles hasta su actual base entre el Reino Unido e Italia, Corlyx ha ido consolidando un sonido propio, alimentado por giras junto a Blutengel, Twin Tribes y Unzucht, además de colaboraciones con artistas icónicos del género como Lord Of The Lost y Massive Ego. Ahora, con Purple Pain, buscan llevar su visión a nuevas alturas.

El álbum, cuyo título rinde homenaje a Prince, es un recorrido sensorial donde lo melancólico se mezcla con lo bailable, lo introspectivo con lo extravagante. Temas como Death Is The Beginning, inspirado en la pérdida de la madre de Caitlin Stokes, evocan una profundidad emocional cruda, mientras que otros, más dinámicos, prometen encender las pistas de baile góticas.

Brandon Ashley, guitarrista y productor, describe el proceso creativo como una avalancha de inspiración imparable. “Las canciones surgían una tras otra. No pudimos detenernos”, explica, destacando también la incorporación de influencias setenteras y un matiz bluesy que aporta una textura inusual al álbum.

La edición en vinilo, con 12 temas seleccionados, sintetiza la esencia del disco, mientras que el doble CD ofrece la experiencia completa, sumergiendo al oyente en un viaje oscuro y expansivo.

El 14 de febrero de 2025, Purple Pain llegará para redefinir lo que significa ser goth en la actualidad. Con un equilibrio entre lo sombrío y lo vibrante, Corlyx demuestra que la oscuridad también puede ser emocionante, sensual y sorprendentemente divertida.

Entre lo ancestral y lo futurista: Nuestra Tierra reinventa el folclore en clave electrónica

 

Celebrando una década de exploración musical, Santi & Tuğçe nos entregan Nuestra Tierra, un EP que honra las raíces mitológicas y espirituales de su trayectoria. Desde Berlín, el dúo revisita los paisajes y relatos que los moldearon, entrelazando sonidos electrónicos, acústicos y letras cósmicas que nos transportan a un mundo de ciclos y renacimientos.

El EP abre con Buffalo Woman, una poderosa meditación sobre la resiliencia y la transmisión del conocimiento ancestral, inspirada en la legendaria Mujer Búfalo Blanco. Su fusión de sintetizadores hipnóticos, percusión tribal y versos evocadores nos sumerge en un viaje de búsqueda y transformación.

En Sky Woman, el dúo reimagina la historia de una deidad celestial que desciende con semillas de girasol, tabaco y luz. La instrumentación etérea y la voz de Tuğçe tejen un tapiz sonoro que emula el descenso de la diosa y la creación del mundo.

El EP cierra con Nana, una canción de cuna espectral que nos envuelve en un ambiente de intimidad y desolación. Con una instrumentación minimalista y melodías oníricas, nos transporta a un universo donde solo quedan dos almas despiertas bajo el resplandor de una nebulosa.

A través de Nuestra Tierra, Santi & Tuğçe transforman la mitología en un acto sonoro, recordándonos que la música, como los relatos ancestrales, nos une en un mismo ciclo de creación y memoria.

Electro y EBM sin concesiones: el EP póstumo de Jardines Sin Explorar

 

El sello Of Dolls and Murder presenta Control 333, el EP póstumo de Leo Méndez, mente creativa detrás de Jardines Sin Explorar. Este lanzamiento, realizado en colaboración con d21 Records y Little Butterfly Records, es más que una obra musical vibrante y contundente.

Compuesto por dos temas llenos de energía, Control 333 encapsula el enfoque intransigente de Leo hacia el electro y el EBM, géneros que moldeó con su distintiva visión. Aunque originalmente concebido como un EP de cuatro pistas, la partida prematura del artista dejó el proyecto incompleto, pero su esencia sigue intacta en cada compás.

Este lanzamiento en vinilo no sólo rescata sus últimas creaciones, sino que también celebra su impacto en la música electrónica underground. Control 333 es una despedida cargada de emoción, donde el pulso implacable de su sonido sigue latiendo, recordándonos que el arte es eterno.

Desde Buenos Aires para el mundo: Happy707 expande el sonido latino en la electrónica global

 

Desde el corazón del underground latinoamericano, el dúo Happy707 irrumpe en Disidencia Records con Ascensor Para El Cadalso, un EP de cinco pistas que fusiona con maestría el electro, el wave y el industrial, entregando una experiencia sonora tan agresiva como hipnótica.

El disco se construye sobre una base de voces punzantes, distorsión precisa y golpes rítmicos demoledores, mientras melodías seductoras emergen entre la crudeza de las texturas electrónicas. La intensidad del EP alcanza nuevas alturas con el remix de Legowelt, el enigmático genio holandés de los sintetizadores, quien reinterpreta uno de los temas con su inconfundible estilo retro-futurista.

Ascensor Para El Cadalso es un viaje implacable a través de ritmos energéticos y paisajes sonoros meticulosamente diseñados. Con este lanzamiento, Happy707 no solo refuerza su identidad dentro de la escena electrónica alternativa, sino que también eleva el estatus del electro latinoamericano a una nueva dimensión.

Estocolmo suena más oscuro que nunca: Majestoluxe estrena su implacable nuevo álbum

 

En Wretched Conditions, Majestoluxe destila la esencia más cruda y afilada del industrial en un álbum que equilibra la agresión con la estructura, la oscuridad con el ritmo y la brutalidad con la precisión sonora. A lo largo de 13 temas, el productor sueco despliega su característico sonido, con una cara A orientada al industrial pop y una cara B más áspera, pero siempre con una dirección clara.

Temas como Assertive Indifference, Money Mules y Blood on the Ceiling muestran su dominio del género con una producción electrizante, mientras que las colaboraciones con EMMON, Aux Animaux, LIVMØDR y Post Kontrôl añaden capas de diversidad y texturas a este mundo de sintetizadores ásperos y ritmos mecánicos.

Mezclado y masterizado por Jimmy Monell (Kite, EMMON), el álbum suena pulido sin perder su filo, con un acabado que recuerda la crudeza del industrial de los 80, pero con una energía moderna que lo sitúa a la vanguardia de la escena electrónica alternativa. Wretched Conditions no sólo marca un hito en la trayectoria de Majestoluxe, sino que también refuerza su posición como una de las voces más intrigantes dentro del panorama electro-industrial actual.

RETRO-spectiva 2015 parte 1

 La mejor manera de reflexionar sobre la música creada hace 10 años es tomarse el tiempo para meditar sobre esa misma década. Cristhian Sonar pone su mirada en estos años y analiza cómo ha evolucionado la música con el tiempo.

Esta retrospectiva 2015/2025, 10 años en la música y sus aportaciones, comienza en 2015. Así que escucha esta primera parte y sumérgete en el viaje musical.

Entre el amor y la paranoia: THROUGH BLINDS es el sonido de un observador atrapado en su propia historia

 

En THROUGH BLINDS, su segundo álbum, SOFT VEIN reafirma su identidad dentro del panorama electrónico, explorando la dualidad entre la nostalgia y la vanguardia. Con 10 pistas que oscilan entre la pista de baile y la introspección, Justin Chamberlain construye un universo sonoro donde el deseo, la pérdida y la observación se entrelazan en un tejido de sintetizadores envolventes y ritmos pulsantes.

Desde la melancolía romántica de FALLING y WASTING DAYS hasta la agresividad industrial de GOD WHISPERS y BLACK BAG, el álbum ofrece una gama de emociones contrastantes, guiadas por influencias que van desde Depeche Mode, Clan of Xymox y Nitzer Ebb hasta la sensibilidad cinematográfica de Brad Fiedel en Terminator 2.

La producción a cargo de Ewan Alastair Kay (Kontravoid, Zanias) otorga un acabado impecable, donde guitarras etéreas, sintetizadores en cascada y percusión metálica crean un sonido tan evocador como enigmático. Chamberlain se presenta como un narrador distante pero apasionado, observando la vida a través de persianas entreabiertas, atrapado entre el anhelo y la incertidumbre.

Con THROUGH BLINDS, SOFT VEIN no solo expande su sonido, sino que sella su lugar en la escena del darkwave y el synthpop industrial, fusionando lo familiar con lo desconocido en un álbum que late con emoción contenida y sombras futuristas.

Desde el futuro sombrío de la música electrónica llega POLAROIDS

 

Desde las sombras del underground electrónico, R E P < > L ^ K N T regresa con POLAROIDS, una colección de paisajes sonoros donde el dark synth, el cold wave, el EBM industrial, el synthpop y el synthwave se funden en un viaje hipnótico y decadente.

El dúo, conformado por Michael Skye (Lust for Nothing, Systematic Overload) y Steve Klocken o Mann (Punchdrunk, Obomatic, Death Trip), expande su universo distópico con un sonido que evoca tanto la melancolía retrofuturista como la pulsión de las pistas de baile más oscuras. Cada tema en POLAROIDS es un fotograma de un mundo donde la tecnología y la nostalgia colisionan, con sintetizadores envolventes, secuencias hipnóticas y una energía mecánica que late en cada compás.

Con un post-post remix incluido en la mezcla, POLAROIDS no sólo es un álbum, sino una invitación a sumergirse en una experiencia sensorial donde los androides bailan y la noche nunca termina.

Desde Leipzig, Carnal Machinery golpea fuerte con TD3EP

 

Desde Leipzig, Jacques Saph, mente detrás de Carnal Machinery, nos entrega TD3EP, un trabajo visceral que encapsula la esencia del EBM, el industrial y el acid, fusionados con un espíritu punk que se siente tan crudo como incendiario.

El EP, compuesto por tres cortes intensos ("Weight of Treason", "Money is the Devil" y "Against the Odds"), no deja espacio para la complacencia. Cada pista es un golpe directo al sistema, con bajos palpitantes, percusión mecánica y sintetizadores distorsionados que evocan la urgencia de un manifiesto sonoro. La agresividad rítmica se entrelaza con estructuras experimentales, recordándonos que Carnal Machinery no busca encajar en moldes, sino romperlos.

Proudly underground, TD3EP es una invitación a sumergirse en un mundo donde la electrónica es tan sucia como subversiva. Un lanzamiento para quienes encuentran en el caos su propio ritmo.

Front Line Assembly lleva sus colaboraciones al siguiente nivel con Mechviruses

 

A lo largo de diez temas, Mechviruses oscila entre el darkwave, el metal-industrial y el synthpop, ofreciendo una experiencia que captura la esencia distópica del proyecto sin perder su evolución constante. Los beats contundentes y las atmósferas densas se combinan con nuevos arreglos, voces y elementos electrónicos que revitalizan la esencia de Front Line Assembly, manteniendo su identidad mientras exploran terrenos inexplorados.

Las colaboraciones con artistas como ULTRA SUNN, Ayria, Bootblacks, Seeming, Encephalon, Fotocrime, MVTANT y s:cage enriquecen la experiencia, aportando matices que van desde la melancolía hasta la agresión mecánica. En este sentido, el álbum no solo rinde homenaje al legado de la banda, sino que también abre puertas a una reinvención que difumina los límites entre la máquina y la música.

Con Mechviruses, Front Line Assembly vuelve a demostrar por qué sigue siendo una de las bandas más influyentes dentro del industrial electrónico. Este álbum no es simplemente una recopilación de remixes, sino una reimaginación completa de su sonido, donde cada pista es desmantelada, reconstruida y llevada a nuevas dimensiones sonoras. Mechviruses es  una declaración de intenciones: la evolución es la única constante en su universo sonoro. Para los seguidores de la banda y para aquellos que buscan una experiencia inmersiva en el industrial moderno, este álbum es una parada obligatoria.

Gritos entre sintetizadores y distorsión: TASSEL nos sumerge en la crudeza de V. Crawling / X

 

Desde las sombras del minimal synth y el industrial, TASSEL debuta con V. Crawling / X, un EP que no solo abraza la oscuridad, sino que la convierte en un paisaje sonoro tan hipnótico como inquietante. Este lanzamiento, extraído del álbum A Sacrifice: Unto Idols, presenta dos piezas que exploran la alienación, la desesperación y la búsqueda de significado en un mundo fragmentado.

"V. Crawling", con su pulsación electrónica y su lamento melódico, es un ruego erótico por la redención. Su instrumentación sintética se desgarra entre capas de distorsión y voces espectrales, evocando la sensación de arrastrarse en busca de ideales inalcanzables. Las remezclas de Black Light Smoke y Lana Del Rabies expanden esta experiencia, deformando el sonido original hasta convertirlo en una pesadilla electrónica.

Por otro lado, "X." es una inmersión en territorios aún más crudos y mecánicos. Entre voces sumergidas en químicos y guitarras inyectadas de ruido, la canción se desliza como una cuchilla sobre ritmos descompuestos. La influencia del EBM y el industrial se hace más evidente, recordando el impacto de clásicos del género pero con una visión moderna y corrosiva. Las remezclas de Kontravoid y Plack Blague intensifican esta sensación, llevándola a extremos aún más oscuros y sintéticos.

En un mundo donde la música repetitiva suele ser despreciada por su supuesta falta de complejidad, TASSEL demuestra que la repetición bien empleada puede generar una atmósfera asfixiante y catártica. V. Crawling / X es un EP que no busca concesiones: es un manifiesto de pulsiones primarias, de emociones distorsionadas y de belleza en la descomposición.

El post-punk indonesio alcanza nuevas profundidades con Klandestine

 

Desde la vibrante escena musical underground de Indonesia, la banda de post-punk y deathrock Klandestine lanza su nuevo maxi-single, "ESSENCE/WORSHIP", a través del sello independiente Forfun Cookies. Este trabajo no sólo es un homenaje al sonido oscuro y sombrío de los años 80, sino también una exploración emocional sobre los tabúes y las incertidumbres de la vida.

En "Essence", Klandestine combina un ritmo de batería urgente y una línea de bajo opresiva con guitarras distorsionadas que lanzan ecos desgarradores y sintetizadores envolventes. La atmósfera es un torbellino de desesperación, acentuada por la voz grave y baritonal que parece emerger de un abismo primigenio. Es una representación sonora de la lucha interna entre lo que la sociedad considera aceptable y el deseo de vivir con autenticidad.

Por otro lado, "Worship" lleva la oscuridad un paso más allá. La banda crea un paisaje más obsesivo y espectral, con guitarras que gritan en agonía, teclados que giran en espirales desoladas y campanas siniestras que anuncian una celebración de las sombras. Las vocales profundas y épicas confrontan a aquellos que se esconden en la ambigüedad moral, entregando un himno a la confrontación de lo prohibido.

Con influencias que recuerdan a Christian Death y Bauhaus, Klandestine mantiene viva la esencia del gótico punk, canalizando la ira y la desesperación en una narrativa sonora que es tan inquietante como cautivadora. "ESSENCE/WORSHIP" no es solo un homenaje al género, sino una declaración audaz de su relevancia contemporánea, consolidando a Klandestine como una fuerza imprescindible dentro de la escena underground.

El simbolismo detrás de "Swamp Dream #3" de Everything Is Recorded

El video de "Swamp Dream #3", colaboración entre Everything Is Recorded y Mary in the Junkyard, es una obra visual tan cautivadora como inquietante. Dirigido con un simbolismo visceral, nos transporta a un paisaje pantanoso donde lo real y lo metafórico hacen buena mancuerna en una narrativa introspectiva.

En pantalla, observamos a Mary cargando un televisor antiguo que, en un giro surrealista, contiene una versión alterna de sí misma, maquillada con un antifaz. Esta Mary camina por un terreno lleno de lodo e insectos, arrastrando un cable eléctrico que conecta al televisor con una fuente de energía. Sin embargo, el cable se tensa y se desconecta, dejando al televisor sin vida. En un acto liberador, Mary arroja el aparato al pantano, donde se hunde lentamente. La escena culmina con ambas versiones de Mary mirándose: una desde debajo del agua y otra desde la superficie.

Más allá de la narrativa literal, el video explora el peso de la identidad y la necesidad de liberarse de las máscaras que cargamos. La "Mary del televisor" representa esa parte de nosotros que dicta el rumbo pero que, al mismo tiempo, nos limita. Al deshacerse del televisor, la protagonista no sólo rompe con esa carga, sino que encuentra la libertad al desidentificarse de su propio personaje.

Este video no sólo destaca por su simbolismo, sino también por la impecable producción musical de Richard Russell y su proyecto Everything Is Recorded, conocido por reunir un talento colaborativo excepcional. Como parte del próximo álbum Temporary, esta pieza visual y sonora captura el espíritu introspectivo y luminoso que define el proyecto.

"Swamp Dream #3" es una experiencia que fusiona la música con el arte visual para narrar una historia tan personal como universal, recordándonos que, a veces, para avanzar debemos dejar ir lo que creemos ser.

Piombo: el EP que pone a Faglia en el mapa del rock gótico actual

Ver esta publicación en Instagram

Una publicación compartida de Faglia (@_faglia_)

 

El EP Piombo de Faglia es una explosión moderna de rock gótico que rinde homenaje a las raíces del género mientras navega por los desafíos de la escena musical actual. Este lanzamiento, caracterizado por su profundidad atmosférica y sus guitarras cargadas de emoción, refleja la lucha de las bandas emergentes en un mercado saturado pero lleno de posibilidades gracias a las plataformas digitales.

Faglia se enfrenta a un panorama en el que ya no son los sellos discográficos quienes dictan el éxito, sino el dominio de plataformas como Spotify y YouTube. A pesar de este reto, Piombo logra destacar con un sonido que combina la melancolía clásica del rock gótico con una producción pulida y actual.

Cada pista del EP es una muestra de la pasión de estos músicos italianos, que aunque han llegado tarde a la gran repartición del "pastel musical", demuestran que la autenticidad sigue siendo su mayor fortaleza. Piombo es una invitación a redescubrir la fuerza del rock gótico en un formato contemporáneo y accesible, ideal para quienes buscan una conexión entre lo clásico y lo moderno.

Anders Manga regresa con Crematia, una aventura oscura en dos actos

 

Con Crematia, Anders Manga reafirma su posición como uno de los grandes nombres del darkwave contemporáneo. Este sencillo de dos canciones nos sumerge en una atmósfera gótica de introspección y misterio, característica del estilo que ha definido su carrera durante más de dos décadas.

Cada pista en Crematia es un testimonio de su habilidad para fusionar melodías impulsadas por sintetizadores con influencias del rock, creando paisajes sonoros tan oscuros como envolventes. Las letras introspectivas y los arreglos melódicos evocan emociones profundas, transportando al oyente a un mundo donde la oscuridad y la belleza coexisten en perfecta armonía.

La producción es impecable, con texturas que se sienten tanto etéreas como contundentes, mientras los ritmos invitan a un viaje emocional y sensorial. Este lanzamiento, aunque breve, capta la esencia de lo que hace que Anders Manga sea un artista imprescindible para los amantes del género. Si bien sus trabajos anteriores como Darker Than You Think ampliaron los límites entre lo electrónico y lo rockero, Crematia refina esos elementos en una experiencia concisa pero poderosa.

En resumen, Crematia no sólo satisface a los seguidores de siempre, sino que también sirve como una excelente introducción para quienes aún no han explorado el oscuro universo de Anders Manga.

Luces de neón y sombras urbanas: COMPLEX MACHINERY deslumbra con su nuevo álbum

El álbum Silhouettes In The Night de COMPLEX MACHINERY es un viaje auditivo a una ciudad cyberpunk. Con 15 pistas que oscilan entre el electroclash, el minimal wave y un electro cargado de decadencia, este trabajo se posiciona como un himno nocturno para las almas que encuentran en la penumbra su hogar.

Canciones como "Echoes in the Night" y "Nocturnal Sirens" capturan la melancolía y el misterio de las noches urbanas, con letras poéticas que describen una ciudad vibrante pero solitaria. Las capas de sintetizadores retro y ritmos pulsantes construyen una atmósfera que evoca luces de neón reflejadas en charcos y sombras que susurran secretos en callejones oscuros.

En el lado más dinámico, Silhouettes In The Night incluye temas como "Dance In The Moonlight", que llama a la pista de baile con un optimismo eléctrico, y "Erotic Night", que explora la intensidad del deseo a través de pulsos electrónicos y letras sensuales.

El álbum, desde su producción hasta su narrativa, se siente como una experiencia cohesiva y visual. COMPLEX MACHINERY logra transformar el paisaje sonoro en un espejo de la vida nocturna, ofreciendo un equilibrio entre introspección y energía vibrante. Este trabajo no solo invita a bailar, sino también a reflexionar sobre la soledad y la conexión en una era dominada por luces frías y corazones metálicos.

Ductape nos guía por un reino liminal con Blue Black

 

Con Blue Black, Ductape, el dúo darkwave de Ankara compuesto por Furkan y Çağla Güleray, ofrece una joya musical que encapsula vulnerabilidad, transformación y belleza dentro de la oscuridad. Este sencillo, lanzado como preludio de su Echodrama Tour 2025 bajo el sello independiente Swiss Dark Nights, no es simplemente una canción, sino una narrativa profundamente personal.

Desde el primer compás, el tema envuelve con una melancolía envolvente. Las pulsaciones graves del bajo y los ritmos marciales se entrelazan con sintetizadores ceremoniales y guitarras angustiadas que destilan un lirismo melancólico y brillante. La voz de Çağla flota como un susurro etéreo entre la tristeza y la resiliencia, llevando al oyente a un espacio liminal entre la sombra y la luz.

El video oficial, creado de manera DIY, captura esta transición simbólica: un primer plano de Çağla inmóvil mientras una mariposa —o polilla— revolotea lentamente, proyectando sombras que parecen desdoblar su ser en un plano metafísico. Esta representación visual refleja la esencia de Blue Black, un himno de transformación y descubrimiento.

Perfecta para unos audífonos, pero también lista para conquistar la pista de baile, Blue Black es un estándar elevado para los amantes del darkwave, donde lo emocional y lo estético convergen con maestría.

Sintetizadores y espectros: el viaje multisensorial de Sundl en Four

Con su cuarto álbum de estudio, Four, Sundl, el proyecto en solitario de Christian Sundl, nos lleva a un viaje sonoro que combina nostalgia ochentera, experimentalismo contemporáneo y la esencia del underground vienés. Fiel a su estilo de fusionar samples, sonidos retro y colaboraciones vocales, Sundl logra en Four un equilibrio entre lo hipnótico y lo profundamente emotivo, destacando cada elemento con precisión y claridad.

El álbum incluye una enigmática versión de "Mesmerism" de Dead Can Dance, con la colaboración de Terz Nervosa, que rinde homenaje a la oscuridad etérea de los años ochenta. Los sintetizadores dinámicos y las máquinas de ritmo construyen paisajes sonoros que evocan un universo donde Deckard de Blade Runner se encuentra con Kit de Knight Rider en la legendaria Haçienda de Manchester.

En canciones como las que incorporan muestras vocales de la poeta Linda Pastan, Sundl transforma fragmentos de un recital de 1992 en Middlebury College en capas magnéticas de frecuencias sugerentes y arcanas. Este enfoque experimental se complementa con un imaginario visual igualmente cautivador: vídeos en blanco y negro, creados con inteligencia artificial y editados meticulosamente por el propio artista, que plasman figuras espectrales en un espacio donde las líneas temporales parecen fusionarse.

Four es una experiencia multisensorial que expande los límites de la música electrónica y conecta el pasado con el presente de manera única y trascendental.

AGNIS invoca a la reina del bosque en su nuevo sencillo Baba Jaga

Agnis apertura el año con fuerza en su nuevo sencillo "Baba Jaga", un himno oscuro y vibrante que combina darkpop e industrial para rendir homenaje a la legendaria bruja eslava. Con poderosos ritmos primales, vocales imponentes y un coro hipnótico que entona "Raz, dwa, trzy Baba Jaga patrzy", la canción transporta al oyente a un bosque encantado lleno de misterio y magia ancestral.

Inspirada en el folclore eslavo, "Baba Jaga" no sólo celebra a la protectora de los bosques y guardiana de la naturaleza, sino que también evoca una conexión profunda con las raíces culturales y la fuerza femenina indomable. Agnis logra entrelazar lo mítico con lo moderno, creando una experiencia sonora que es tanto un ritual como una explosión de energía musical.

Agnieszka Leśna, conocida por su trabajo en proyectos como Desdemona y Red Storm, muestra su madurez artística en esta pieza, consolidando su estilo único como una fusión de darkwave, witchpop y synthpop. "Baba Jaga" es más que una canción; es un llamado a abrazar lo salvaje y lo mágico, una celebración de lo indomable en la naturaleza y en el espíritu humano.

El Satiricón de Petronio

Si alguna vez te has preguntado cómo era la vida de los romanos, pero no la de los grandes emperadores, sino la de los viajeros, los estafadores y los ciudadanos comunes, El Satiricón de Petronio es un libro que te sorprenderá. Es una obra única, llena de humor, aventuras y situaciones extravagantes, escrita hace casi dos mil años, durante la época del Imperio romano.

El Satiricón cuenta las aventuras de Encolpio, su amigo Ascilto y el joven Gitón, quienes viajan por distintas ciudades, enfrentándose a problemas y enredos constantes. Es como una comedia de enredos moderna, pero ambientada en el mundo antiguo. Hay estafas, engaños amorosos y banquetes llenos de extravagancia, como el famoso Banquete de Trimalción, donde un rico libertino organiza una fiesta que termina siendo tan absurda como opulenta.

Lo interesante de este libro es cómo Petronio mezcla el humor con una crítica a la sociedad romana. A través de sus personajes, muestra las desigualdades, los excesos y los valores superficiales de su época, pero lo hace de forma entretenida y con mucho ingenio.

Aunque El Satiricón no ha llegado completo a nuestros días (faltan varias partes), lo que se conserva es suficiente para darnos una idea del talento de Petronio como escritor. Su estilo es ágil y lleno de descripciones que nos hacen imaginar claramente las escenas, casi como si estuvieras viendo una película antigua.

Este libro no es solo una ventana al pasado, sino también una forma de entender que, aunque hayan pasado siglos, los seres humanos seguimos teniendo problemas, sueños y comportamientos que nos conectan con aquellos que vivieron antes que nosotros. Si te gustan las historias diferentes, llenas de humor y con un toque de picardía, El Satiricón es una gran opción para explorar.

 

27 años de evolución culminan en Life Dark Void, lo nuevo de DIVERJE

 

Con más de dos décadas de trayectoria, DIVERJE regresa con su 14.º álbum de estudio, Life Dark Void, una obra maestra de 15 temas que combina dark electro, industrial y trance con un enfoque profundamente personal y emocional. Tommy T. Rapisardi, Alexander Borsov y Jim Wikked logran canalizar la desesperación y el aislamiento de un mundo postapocalíptico en una narrativa sonora intensa y cautivadora.

El álbum navega entre la melancolía introspectiva y la agresión cruda. Canciones como "Dying Shadows" y "To Be Alone" exploran la vulnerabilidad emocional con melodías profundas, mientras que temas como "The Days of Suffering" y "Deluded System", con el agresivo trabajo de guitarra de Jim Wikked, desatan una furia implacable que golpea al oyente con su energía abrasadora.

Las colaboraciones añaden una nueva dimensión al sonido característico de DIVERJE. Destaca "Astral Trip (Give Me a Sign)", con la impresionante voz de Lux Mala, que aporta un contraste melódico y etéreo. Por otro lado, "Predatoric" rinde homenaje a la película Predator con una fuerza sonora que evoca la intensidad del clásico de acción. La sorpresa final llega con "Divide", donde Tommy T. muestra sus vocales más melódicos en una colaboración conmovedora con John Prassas de 162.

Life Dark Void no solo refleja 27 años de evolución musical, sino que también redefine los límites del dark electro y el industrial. Es un viaje a través de emociones desgarradoras, texturas sonoras ricas y una intensidad que dejará a los fans de siempre y nuevos oyentes con ganas de más.

Prisión de carne y fuego: Feral es un retrato visceral de la lucha interna

Desde las profundidades de Ceará, Brasil, RATPAJAMA emerge como un proyecto solista de darkwave que desafía los límites de la introspección emocional. Con su último lanzamiento, Feral, la artista explora las complejidades de la identidad, la autoaceptación y la lucha interna contra una persona maligna que habita la mente.

Feral es una inmersión cruda y visceral en el conflicto humano entre deseo, vanidad y el anhelo de libertad dentro de un cuerpo que parece una prisión. La letra, poética y desgarradora, captura una lucha interna profundamente relatable, mientras la producción musical intensifica la atmósfera con sintetizadores oscuros, líneas de bajo pulsantes y un aura envolvente que resuena en cada nota.

La canción destaca por su intensidad emocional, especialmente en frases como "Burning in vanity and consumed by desire" y "I'm in this endless flame, I'm this twisted fire". A través de una narrativa sombría y apasionada, RATPAJAMA logra encapsular la esencia de una conexión feroz y autodestructiva, una que no puede ser rechazada ni comprendida del todo.

Musicalmente, Feral se posiciona como la capacidad de RATPAJAMA para fusionar el darkwave clásico con una perspectiva moderna y profundamente personal. Es un recordatorio de que la lucha por la identidad y la libertad es universal, pero pocas veces se ha expresado con tal crudeza y belleza.

Oscuridad y catarsis: Spettro marca un nuevo pico artístico para This Eternal Decay

 

Tras dos años de espera y una gira europea que consolidó su lugar en la escena gótica, This Eternal Decay regresa con su quinto álbum de estudio, Spettro. Esta obra, que verá la luz el 10 de enero de 2025 bajo los sellos Trisol Music Group y Swiss Dark Nights, representa un punto de inflexión tanto emocional como musical para la banda.

Spettro se adentra en los abismos de la autodestrucción y la lucha existencial, explorando emociones crudas a través de nueve pistas que combinan la intensidad del industrial, la melancolía del darkwave y el dinamismo del synthpop. Temas como “Rise & Fall” y “Cold Fear” destacan por sus atmósferas envolventes, donde las melodías sombrías y las percusiones abrasadoras se entrelazan con letras profundamente introspectivas. En “Red Orchid,” This Eternal Decay nos sumerge en una narrativa de caos y claridad, desnudando su evolución musical y emocional.

El álbum es una declaración artística que redefine los límites del darkwave. Los paisajes sonoros, más densos y matizados que en entregas anteriores, reflejan una madurez creativa que lleva a la banda a nuevas alturas. Spettro no sólo reafirma la relevancia de This Eternal Decay en la escena gótica internacional, sino que también se posiciona como una obra imprescindible para los amantes del género.

Spettro es un testimonio de transformación: una catarsis personal y una audaz declaración musical que captura la esencia de la oscuridad y la belleza dentro del caos.

El spleen de París de Charles Baudelaire

 

El spleen de París es una de las obras más intrigantes de Charles Baudelaire, un autor que marcó un antes y un después en la literatura moderna. Publicado póstumamente en 1869, este libro es una mezcla de poesía en prosa, una forma experimental que Baudelaire exploró como parte de su constante búsqueda por innovar.

Baudelaire, conocido por su obra maestra Las flores del mal, consideraba a El spleen de París como algo más que un simple libro de poesía. En sus cartas, incluso llega a llamarlo "bagatelas trabajosas" o "frivolidades", lo que puede parecer un menosprecio, pero también muestra su interés por desafiar las convenciones literarias. Al mismo tiempo, reconocía que sus poemas en prosa, llenos de caos y contradicciones, representaban una de sus mayores apuestas artísticas.

Lo más característico de El spleen de París es su discordancia, es decir, la mezcla de temas, tonos y sentimientos contradictorios. Baudelaire no temía asociar lo espantoso con lo cómico, lo tierno con lo odioso, creando una especie de "ruido" literario que busca desconcertar al lector. En este sentido, El spleen de París es como una ciudad caótica y vibrante, llena de contrastes, tal como Baudelaire experimentaba la ciudad de París.

Cada poema en prosa es una invitación a explorar un mundo sombrío y misterioso, donde las emociones se mezclan y las situaciones inesperadas se desarrollan con rapidez. Es una obra que juega con la percepción, haciéndonos cuestionar lo que creemos saber sobre el arte y la poesía.

Aunque durante mucho tiempo El spleen de París fue visto como una obra menor en la carrera de Baudelaire, hoy se le reconoce como un libro esencial para entender el paso hacia la modernidad en la literatura. Fue una gran influencia en poetas posteriores, como Stéphane Mallarmé, Paul Verlaine y Arthur Rimbaud.

Para los jóvenes lectores, esta obra puede ser un reto, pero también una oportunidad para descubrir una poesía diferente: una poesía que no busca ser bonita ni sencilla, sino compleja y llena de contradicciones. El spleen de París es una puerta abierta a un mundo de emociones intensas y de pensamientos provocadores, ideal para quienes deseen ir más allá de las formas clásicas de la poesía.

Religión y trauma: la intensidad emocional de Signs of the Past

Con The View From Below, Donnie Beach, la mente detrás de Signs of the Past, nos ofrece un debut profundamente introspectivo y cautivador. Este álbum, resultado de más de una década de trabajo y reflexión, mezcla hábilmente nuevos materiales con retazos de proyectos pasados como White Shadow y Neon Frame, creando un mosaico sonoro que explora la vulnerabilidad humana frente al trauma, la identidad y la alienación.

El disco combina la elegancia melódica del electropop con el dramatismo del darkwave, transmitiendo emociones a través de sintetizadores hipnóticos, percusiones precisas y una producción vocal que alterna entre el desgarro confesional y la resonancia coral. Canciones como "The Pact" evocan un aire litúrgico y ceremonial, mientras que "Dust" transforma la desesperación en un himno bailable, y "Thread the Needle" envuelve al oyente en un ritmo pulsante y envolvente.

Beach aborda los temas de The View From Below con una honestidad brutal, apoyándose en imágenes apocalípticas y metáforas religiosas que amplifican la intensidad emocional. "Quise capturar cómo eventos invisibles para otros pueden sentirse desesperados y apocalípticos para quien los vive", explica. Este enfoque hace del álbum no sólo una obra musical, sino una experiencia profundamente humana y catártica.

The View From Below no sólo destaca como un logro personal para Donnie Beach, sino como una pieza esencial dentro del darkwave y el synthpop contemporáneo, reafirmando que la oscuridad también puede ser bellamente transformadora.