Ocean Blue: cuando el ambient se convierte en poesía acuática

Con Ocean Blue, el artista alemán Daniel Voss, conocido por sus alias Five Seasons y Slow World, ofrece una obra profundamente evocadora: una carta de amor al océano. Este álbum, compuesto por ocho temas y con una duración de 28 minutos, es una experiencia sensorial que sumerge al oyente en un mar de armonías flotantes, melodías etéreas y atmósferas envolventes.

Daniel, maestro de la delicadeza sonora, ha refinado aún más su estilo en esta entrega. Si sus anteriores trabajos (Clouds and Leaves, Dreaming) exploraban la introspección y la belleza de lo efímero, Ocean Blue se sumerge por completo en el terreno del ambient cinematográfico. Piano, cuerdas punteadas y sintetizadores ondulantes se entrelazan como corrientes marinas, guiando al oyente a través de estados de calma, reflexión y asombro.

Cada pieza de Ocean Blue es un retrato sonoro del mar: a veces sereno como una bahía al amanecer, a veces vibrante como una marea que se agita bajo la superficie. El resultado es un disco que no sólo se escucha, sino que se respira, se siente y se contempla como si fuera el horizonte mismo.

Ideal para quienes encuentran consuelo en los sonidos de la naturaleza y buscan un refugio emocional en la música, Ocean Blue es más que un álbum: es un espacio donde el tiempo se detiene y el alma flota.

Aura en el espejo en Spotlight, radio promo; Nubes, desventajas y otras ilusiones

Acompáñanos en esta fascinante charla con el conductor Humanosky, quien entrevista a Bersaín Lejarza para explorar su más reciente publicación: Nubes, desventajas y otras ilusiones.

Sumérgete en el proceso creativo detrás de esta obra, descubre las inspiraciones del autor y los significados ocultos en sus palabras. Será una conversación llena de literatura, arte y una profunda pasión por la poesía.

Nubes, desventajas y otras ilusiones estará disponible a partir de junio de 2025 en librerías, puestos de periódico y exclusivas cafeterías de Tepeji del Río de Ocampo, Hidalgo.

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Ambre Ciel debuta con still, there is the sea, un álbum que flota entre cuerdas y suspiros

 Desde Montreal, la compositora y cantante Ambre Ciel lanza su álbum debut still, there is the sea, una obra que parece flotar entre el sueño y la marea, entre la música impresionista y el minimalismo norteamericano. El disco es un gesto íntimo y elegante, un primer intento —según sus propias palabras— por darle forma sonora a ese otro mundo que habitaba en su mente. Lo ha logrado con una delicadeza que conmueve.

Ambre canta en inglés y francés, y construye sus canciones desde una sensibilidad profundamente orgánica: capas de violín, suaves efectos de pedal, voces etéreas y un piano que abre posibilidades armónicas como olas que se despliegan con paciencia. Hija de artistas, su formación clásica se entrelaza con una búsqueda poética y casi cinematográfica, donde el espacio importa tanto como el sonido.

still, there is the sea no grita; susurra. Cada pieza se siente como una carta no enviada, una contemplación suspendida en el tiempo. Es un álbum para escuchar con los ojos cerrados, con el corazón abierto, como quien contempla el horizonte desde la orilla. Es un comienzo, sí, pero también una promesa de que la belleza puede ser pausada y profundamente sincera.

Camy Huot convierte la resaca emocional en electrónica evocadora con Echoes in My Room

Con Echoes in My Room, la artista y DJ francesa Camy Huot firma su debut discográfico con un EP que captura la intensidad emocional y sensorial del after. Más que una colección de temas, es un viaje textural por las ruinas de la noche: un paisaje mental donde los ecos de la pista de baile aún retumban, pero la lucidez se ha evaporado.

Desde su residencia en Utrecht, y con un historial marcado por su trabajo en la escena underground europea (de festivales como Best Kept Secret y Gothic Pogo a eventos propios como Wave Crash), Camy Huot se consolida como productora con una propuesta introspectiva y atrevida. El tema principal, “Echoes in My Room”, es un collage sonoro hecho de percusiones temblorosas, capas electrónicas etéreas y una narrativa casi cinematográfica: un loop de luces de neón y errores confesados al amanecer.

La producción abraza lo melancólico sin caer en el dramatismo, y encuentra belleza en el desconcierto post-fiesta. Camy describe su EP como “una oda a los errores que cometimos de noche”. Y en ese vértigo donde el cuerpo aún late y la mente flota, Huot captura una verdad universal: el fin de la fiesta también es una forma de comienzo.

Monrroe se desata en Bleach: precisión imparable y alta velocidad

 

Con Bleach, Monrroe deja atrás el susurro melódico de sus anteriores entregas para rugir con fuerza en una pista donde lo emocional y lo agresivo colisionan con precisión quirúrgica. Publicado a través del sello Must Make Music de Workforce, este EP de cuatro cortes representa un giro oscuro y enérgico en la carrera del productor británico, sin perder su distintivo pulso melódico.

Desde el inicio con “Last Verse”, Monrroe arranca con garras expuestas: un groove cargado de tensión y mordida, que anuncia el tono implacable del EP. “Cold Shoulder Therapy” mantiene el pulso con una estructura steppy, fría y maquinal, mientras “Echo Habit” enciende los circuitos con una descarga de energía que evoca un drum and bass de alto voltaje. Finalmente, “Lore Of Regression” cierra el viaje con una dosis de técnica venenosa: precisión, oscuridad y contundencia.

Bleach no solo revela una faceta más áspera y poderosa de Monrroe, sino que lo consagra como un productor versátil capaz de moverse con elegancia entre la sensibilidad soul y la brutalidad controlada. Este EP es un golpe certero que deja claro que el motor que siempre vibró bajo sus melodías ahora está rugiendo a toda potencia.

VNV Nation eleva la electrónica emocional con su nuevo álbum Construct

 

VNV Nation regresa con Construct, un álbum que representa un paso adelante en su inconfundible sonido alternative-electronic, fusionando beats épicos con una profunda carga emocional. Producido en su estudio en Hamburgo entre mayo de 2024 y enero de 2025, este décimo trabajo de estudio reafirma el espíritu innovador del dúo, siempre en búsqueda de nuevas texturas y emociones dentro de la electrónica.

Desde los primeros compases, Construct suena como un renacimiento: sintetizadores luminosos, percusiones marciales y líneas vocales que oscilan entre lo íntimo y lo monumental. Las canciones mantienen ese balance característico de VNV Nation entre lo eufórico y lo melancólico, construyendo auténticos himnos para la pista de baile, pero también para la introspección solitaria.

Las diez pistas del álbum exploran temáticas de resiliencia, esperanza y redención, todo envuelto en una producción impecable y detallista. Destaca también la portada física: un diseño único que, mediante una retícula de caracteres y perforaciones, revela el nombre de la banda y el título del disco, demostrando que la propuesta artística de VNV Nation va mucho más allá de lo sonoro.

Construct es un testimonio de que la electrónica puede ser tan cerebral como visceral, tan esperanzadora como devastadora. VNV Nation sigue construyendo puentes entre el cuerpo y el alma, entre el sudor de la pista de baile y las lágrimas del corazón.

SARCOMA convierte el duelo en ruido visceral con Peritoneal Disseminations

 

Peritoneal Disseminations, el nuevo EP de SARCOMA, no es un disco fácil de escuchar, ni pretende serlo. Es un grito crudo de duelo, soledad y resistencia, dedicado al amado perro del artista, Odín, fallecido en 2021 por un angiosarcoma. Esta obra surge como un acto de catarsis visceral, transformando el sufrimiento personal en una propuesta sonora desafiante y profundamente honesta.

El EP entrelaza samples heterogéneos —Google Translate, The Prodigy, Neon Genesis Evangelion, discos soviéticos rayados, grabaciones de campo, audios de WhatsApp y hasta fragmentos de Lost and Delirious— creando un collage sonoro que desconcierta y atrapa. La base electrónica, producida en Studio One y pulida en sala de ensayo, genera una atmósfera tensa y urgente.

Lejos de buscar perfección, SARCOMA apuesta por la autenticidad brutal. Aquí, el dolor no es embellecido ni suavizado: es una experiencia directa, casi física, donde la pérdida se convierte en una forma de liberación y el ruido en un acto de memoria. Peritoneal Disseminations es una obra que golpea, incomoda y conmueve. No es música para todos, pero sí necesaria para quienes buscan un arte que no tema enfrentarse a las heridas más profundas.

Pop etéreo y electrónica oscura: Protection Spells hechiza con cada nota

Alethea Leventhal, bajo su proyecto solista Ships In The Night, regresa con Protection Spells, su tercer álbum de estudio y el primero bajo el prestigioso sello Metropolis Records. Con raíces en el witch house y vaporwave, Leventhal sigue perfeccionando una propuesta que combina electrónica oscura, pop etéreo y ambient, logrando paisajes sonoros que parecen extraídos de sueños y memorias, como si cada canción fuese un hechizo protector.

El álbum, que incluye los sencillos “Blood Harmony” y “Some Of Those Dreams”, es un delicado balance entre luz y oscuridad. “Blood Harmony” se presenta como un mantra para protegerse del daño, explorar la vulnerabilidad y encontrar fuerza en la fragilidad, confirmando la capacidad de Leventhal para transformar emociones profundas en himnos electrónicos conmovedores.

A diferencia de su debut Myriologues (2017), centrado en el duelo, y su sucesor Latent Powers (2021), donde encontró poder en la oscuridad, Protection Spells es una obra de sanación y renacimiento. Las capas de sintetizadores, los beats cinéticos y la voz espectral de Alethea crean una atmósfera hipnótica que envuelve al oyente en una experiencia sensorial y emocional.

Este disco no solo expande la paleta sonora de Ships In The Night, sino que también la consolida como una de las voces más fascinantes del dark pop contemporáneo. Un álbum ideal para quienes buscan refugio en la música y creen en el poder de los conjuros sonoros.

Tecnología, rabia y resistencia: así suena Where Animals Play

Con Where Animals Play, el dúo General Dynamics —formado por QUAL y SARIN— vuelve con una descarga brutal de industrial y cyberpunk sin concesiones. A dos años de su debut Weaponize Your Dreams, esta segunda entrega no solo da continuidad a su sonido amenazante, sino que lo lleva a extremos aún más feroces y radicales.

Las voces de ultratumba, los samplers quirúrgicos, las percusiones demoledoras y los sintetizadores refinados crean un paisaje sonoro tan distópico como urgente. Es música que no busca complacer, sino sacudir, confrontar y resistir. Where Animals Play es un manifiesto sonoro contra un mundo devorado por el fascismo encubierto, el capitalismo salvaje y la tecnología deshumanizante.

Este álbum no se escucha, se sobrevive. Cada pista es una embestida al statu quo, un ritual cibernético de insurrección en medio del caos global. General Dynamics reafirma que su lugar está en la vanguardia del industrial contemporáneo: incómodo, combativo y despiadadamente lúcido.

Ya circula en las calles de Tepeji: Reflejos, el último poemario de Bersaín Lejarza

Reflejos es un proyecto literario y sonoro que surge como un eco de colaboración y reinvención. Algunos de estos poemas fueron publicados en la antología Ecos del tiempo de Octavio Jiménez (2011), este poemario evolucionó desde esa pequeña exposición hasta una obra multimedia donde la poesía se complementa con atmósferas musicales, influenciadas por el experimentalismo de Brian Eno y su proyecto Passengers. La pandemia, lejos de truncar el proceso, fungió como catalizador para que Lejarza explorara nuevas texturas artísticas: la palabra se vuelve melodía, y el silencio, un lienzo para instrumentales oníricos.

Entre los poemas de Reflejos descubrimos: Reflejo arácnido, la metáfora de una araña que escribe "páginas del olvido", evocando tanto la fragilidad como el sacrificio y la herencia. Lejarza no sólo juega con imágenes biológicas, sino que también recurre a símbolos literarios y mitológicos para presentar reflexiones sobre crisis existenciales, como la reintegración pospandémica.

El diseño del libro, obra del propio autor, refuerza su contenido simbólico: letras extendidas como caminos, círculos con plumas que aluden a la libertad, y una estética que recuerda al Jardín de las delicias de El Bosco. Esta cuidadosa edición visual dialoga con la musicalización de los textos, donde piezas como Estaciones del sol o Lágrimas de Julia funcionan como soundtracks de emociones no dichas.

Si bien algunos pasajes podrían profundizar en su pulso narrativo (como Reflejo de miedo, que retrata terrores infantiles con imágenes potentes pero esquemáticas), el acierto de Reflejos radica en su hibridez: es un espejo donde lo literario, lo sonoro y lo visual se refractan para cuestionar nuestra conexión con la naturaleza, la tecnología y los miedos atávicos. Un libro que, como Alicia en su caída, invita a perder el equilibrio para descubrir nuevos mundos.

Escucha la entrevista en el programa: Spotlight, a cargo del conductor Humanosky

Aura en el espejo en Spotlight, radio promo; Reflejos

Acompáñanos en esta fascinante charla con el conductor Humanosky, quien entrevista a Bersaín Lejarza para explorar su más reciente publicación: Reflejos.

Sumérgete en el proceso creativo detrás de esta obra, descubre las inspiraciones del autor y los significados ocultos en sus palabras. Será una conversación llena de literatura, arte y una profunda pasión por la poesía.

Reflejos estará disponible a partir de mayo de 2025 en librerías, puestos de periódico y exclusivas cafeterías de Tepeji del Río de Ocampo, Hidalgo.

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Entre algoritmos y punk: el brutal collage sonoro de AUS!Funkt

Rewire The Damage, el nuevo álbum de AUS!Funkt, es un espejo roto que refleja la existencia post-digital con un filo tan afilado como bailable. Cada pista es un fragmento de un tiempo descompuesto, un grito dadaísta entre ecos industriales y mantras de pista de baile golpeados por la ansiedad del presente.

Desde la letanía oscura de Let The Shadows Fall, pasando por el código binario y distorsionado de Zéro Zéro Un, hasta la ironía narrativa de I'm Not Sorry: Jozzef Skving’s Cautionary Tale, el disco se erige como un collage electro-punk que no teme al caos ni a la crítica del mundo digitalizado que habitamos.

AUS!Funkt no crea canciones: disecciona pulsos, pensamientos y ritmos en bruto. En Le Choc Est Brutal, la violencia del beat se hace manifiesta, mientras C’est Parfait! construye una perfección ilusoria solo para deshacerla segundos después. Y cuando Seconds Minutes Hours Weeks colapsa el tiempo, lo hace con una cadencia hipnótica que atrapa tanto la mente como el cuerpo.

Este álbum es brutalista en forma, groovy en intención y ferozmente conceptual. Es punk para los conectados que ya no sienten, y disco para los que han sido desmantelados por la era de los algoritmos. Con Rewire The Damage, AUS!Funkt no solo repara el daño: lo convierte en arte.

Isabelle Dekeyser resurge y brilla en el nuevo capítulo de la banda belga

Tras el repaso íntimo y poderoso de su trayectoria en Echoes Of Time, The Breath of Life irrumpe de nuevo con Slowly Crashing, un EP de cuatro temas que marca su regreso con fuerza, sensibilidad y una renovada energía creativa. Este lanzamiento no solo es musicalmente significativo, sino también profundamente humano: llega después de que Isabelle Dekeyser, la icónica vocalista del grupo, enfrentara serios desafíos de salud, deteniendo momentáneamente su carrera.

Lejos de apagarse, la llama artística de la banda belga resurge con intensidad. Slowly Crashing es un viaje hipnótico a través de noches inquietas, donde la voz etérea de Dekeyser flota sobre líneas de bajo pulsantes y guitarras electrizantes, creando una atmósfera oscura pero profundamente envolvente. La canción homónima y “Down We Go” reciben versiones electrónicas reimaginadas por KEZDOWN, ampliando el espectro emocional y sonoro del EP.

Destaca además su reinterpretación de “The Part You Can’t See” de PSY’AVIAH, transformando el tema en una gema post-punk/new wave que mantiene la esencia del original pero con la impronta única de The Breath of Life.

Con Philippe Mauroy (guitarra, programación), Giovanni Bortolin (violín, teclados) y Didier Czepczyk (bajo), la banda demuestra que el paso del tiempo y las pruebas personales no han hecho más que afilar su propuesta. Slowly Crashing no es un símbolo de resiliencia, evolución y belleza oscura. 

El arte de rasgar el sonido: Craig Dyer presenta su álbum más experimental

 

Con Décollage, su duodécimo álbum de estudio, The Underground Youth da un giro audaz y meticuloso a su trayectoria sonora. Liderados por Craig Dyer desde Berlín, la banda post-punk deja atrás la melancolía introspectiva de Nostalgia’s Glass para adentrarse en un paisaje musical más experimental, donde el desgarro artístico se convierte en método de creación.

Inspirado en la técnica visual del décollage —el arte de rasgar y eliminar fragmentos para revelar una nueva imagen—, Dyer aplica este principio al sonido: construye capas de ruido, arreglos de cuerdas a lo Lee Hazlewood, melodías de mellotron a la Gainsbourg, y ritmos prestados del hip-hop, solo para desmontarlos, rasgarlos, y revelar una nueva identidad musical. El resultado es un álbum envolvente y onírico, donde la sensibilidad trip-hop se funde con letras que oscilan entre la adoración, el linaje, la revolución alucinada y la esperanza nacida de los escombros.

Desde pasajes minimalistas y espectrales hasta crescendos melódicos de gran intensidad, Décollage no solo muestra una evolución sonora, sino también una reafirmación del espíritu vanguardista del grupo. The Underground Youth no teme reinventarse; al contrario, hace de la destrucción un acto de renacimiento.

Cinemático, gótico y envolvente: Promise and Fear, el nuevo sencillo de Truly Lost

 Truly Lost nos sumerge en un universo oscuro y cinemático con Promise and Fear, un sencillo que convierte el desasosiego en movimiento. Con una fusión de electrónica alternativa, atmósferas industriales y sintetizadores pulsantes, el proyecto crea un sonido hipnótico que sirve como un llamado de auxilio disfrazado de pista de baile.

Las canciones Tender Pyres y Alien Hand son verdaderos paisajes sonoros de nostalgia y extravío, donde la tensión ambiental se entrelaza con beats enigmáticos. Entre la melancolía gótica y la fuerza del EDM, Promise and Fear se erige como una elegía para aquellos que han perdido el rumbo, invitándonos a danzar en la penumbra mientras nos enfrentamos a nuestros propios miedos.

Entre la seducción y la desilusión: el nuevo álbum de Propter Hoc nos enfrenta a la era digital

Propter Hoc nos entrega en Seduction and Betrayal una exploración sonora de lo físico y lo tangible, en contraste con la progresiva degradación del mundo digital. A través de melodías evocadoras y una producción que equilibra lo orgánico con lo electrónico, el álbum nos sumerge en un universo donde las experiencias culturales se viven en el cuerpo: el tacto de un libro, el peso de una prenda, la energía del baile.

Inspirado en la obra de Elizabeth Hardwick, el disco reflexiona sobre la seducción y la traición, tanto en la literatura como en la vida. Temas como George Eliot’s Husband juegan con la idealización del amor y la influencia de las relaciones en la creatividad, mientras que la portada—con las manos de Georgia O’Keeffe fotografiadas por Alfred Stieglitz—refuerza la idea de lo artístico como algo vivido y sentido.

El resultado es un trabajo elegante y profundo, que desafía la frialdad de la era digital y nos recuerda que seguimos siendo cuerpos en movimiento, en constante atracción, en una danza entre la belleza y la desilusión.

Misticismo y armonía en el nuevo álbum de Taurwen: Palingenesia

Con Palingenesia, Taurwen nos sumerge en una experiencia sonora profundamente espiritual, donde la música se convierte en un canal para la contemplación y el reencuentro con la naturaleza. Oguzhan Durukan, quien compuso y arregló el álbum en su totalidad, nos ofrece un viaje que trasciende lo terrenal, explorando la relación sagrada entre el ser humano y el mundo natural.

Desde su concepción, Palingenesia es una obra que busca inspirar un despertar filosófico y existencial. A través de paisajes sonoros envolventes, instrumentación meticulosa y una producción que respira misticismo, el álbum nos invita a enraizarnos en el presente sin perder de vista el flujo eterno de la vida. La voz invitada de Katarzyna Morra Karoń en Molten añade un matiz hipnótico que refuerza la sensación de trascendencia y renacimiento.

Palingenesia nos recuerda que somos a la vez herederos y creadores del futuro. Cada sonido, cada melodía nos llama a vivir en armonía con la naturaleza y a comprender que el verdadero crecimiento radica en honrar los ciclos de la existencia.

Para los oyentes en busca de una experiencia musical que combine introspección, fuerza y belleza, Palingenesia es una obra que no sólo se escucha, sino que se siente en cada fibra del ser.

Echo Still Remains, un debut de ensueño cinematográfico

El renombrado fotógrafo y director Robert Ascroft da un giro inesperado en su carrera con Echo Still Remains, su primer álbum, una obra de atmósferas envolventes que recuerda la sensibilidad cinematográfica de Until The End of The World de Wim Wenders y la estética etérea de This Mortal Coil bajo el sello 4AD.

Para este debut, Ascroft ha reunido un elenco de lujo con voces tan icónicas como Christopher Owens (Girls), Kid Congo Powers (The Cramps, Gun Club, Nick Cave and the Bad Seeds), Britta Phillips (Luna, Dean & Britta), Tess Parks, Ruth Radelet (Chromatics), Guy Blakeslee (The Entrance Band), Ora Cogan y Zumi Rosow (Black Lips). Cada interpretación se funde en un tapiz sonoro de guitarras melancólicas, sintetizadores espectrales y una producción detallada que evoca la belleza de la decadencia.

El sencillo Should've Stayed in Bed, con la inconfundible voz de Christopher Owens, nos sumerge en una pieza de introspección al estilo de Lou Reed y Nick Cave, acompañada de un videoclip dirigido por el propio Ascroft, con una estética inquietante digna de David Lynch. La producción del álbum cuenta con nombres de peso como Ted Young (Rolling Stones, Kurt Vile, Sonic Youth), Larry Crane (Elliott Smith, The Shins, She & Him) y Manny Nieto (Kim Deal, The Breeders), asegurando una mezcla pulida y emocionalmente cruda.

Con Echo Still Remains, Robert Ascroft no sólo demuestra su talento tras la lente, sino que también nos invita a un universo musical lleno de nostalgia, sutileza y un refinado sentido narrativo.

Electrónica nostálgica y moderna: Bérèche You lanza The Price of Love

Con The Price of Love, Bérèche You nos ofrece una elegante síntesis de su colaboración con Cassiel Agrippa, presentando versiones definitivas de temas previamente lanzados, junto con nuevas composiciones que expanden su universo sonoro. Este álbum es una oda al synthpop más clásico, un trabajo que captura la esencia de la escena electrónica de los años 80 sin dejar de sentirse fresco y vibrante.

El sencillo Adore Me es un claro ejemplo de esta fusión de tradición y modernidad. Con letras que evocan una travesía por géneros de baile—“I've done the tango, and I have done the swing”—la canción resuena con la sofisticación característica del sello noruego Crab Key Records. La producción es meticulosa y envolvente, ofreciendo melodías pegajosas, sintetizadores brillantes y un pulso rítmico que invita a la pista de baile.

The Price of Love no es una colección de canciones bien trabajadas que no dejará indiferente a los seguidores del género, este álbum es una celebración de la nostalgia ochentera con un enfoque contemporáneo, consolidando a Bérèche You como un nombre imprescindible en la escena electrónica actual.

Distorsión y catarsis: el caos sonoro de The Drowning Man

El nuevo álbum de Wander, The Drowning Man, es un caos controlado, una obra en la que el artista ha volcado su obsesión por el detalle y su deseo de romper límites. Concebido en un proceso de reinvención personal y creativa, este trabajo es una inmersión profunda en sonidos ásperos y distorsionados, donde el post-punk y el coldwave se mezclan en un remolino de emociones crudas.

Desde los sintetizadores saturados hasta las guitarras que rozan la agresividad del black metal, The Drowning Man es un álbum que no busca complacer, sino provocar. Las voces desgarradas flotan como un presagio oscuro sobre ritmos caóticos y texturas abrasivas, en un ejercicio de exploración que desafía cualquier expectativa previa. Wander se entrega por completo a la catarsis, dejando que la música se construya en la espontaneidad de la experimentación.

Nacido de la insatisfacción y la necesidad de empezar desde cero, The Drowning Man representa un punto de inflexión en la trayectoria de Wander. Es un disco honesto, crudo y visceral, en el que cada imperfección es parte de su esencia. Para quienes disfrutan de la música sin filtros, este álbum es una tormenta de sonidos en la que perderse es parte del viaje.

RETRO-spectiva 2015 parte 2

Para pensar en la música de hace 10 años, lo mejor es echarle un buen vistazo a esa década. Cristhian Sonar se adentra en esos años y nos cuenta cómo ha cambiado la música con el tiempo.

Esta retrospectiva "2015-2025: 10 años de música y sus aportes" empieza en 2015. Así que dale play a esta primera parte y prepárate para un viaje musical genial.

Tracklist de esta segunda parte de música notable de 2015.

1. Panda Bear - Selfish Gene

2. SOFIA RETA - GRIND

3. Coma - Lora

4. Selofan - Tristesse

5. JD SenuTi - Composite

6. UV/Light - Darby Dharma

7. Nuage - Nulla

8. Portico - 101 (ft Joe Newman)

9. Mark System - Rainfall

10. Minuit Machine - Honey

11. Lebanon Hanover - Broken Characters

12. Chelsea Wolfe - Grey Days

13. Venera 4 - Eidôlon

14. Jamie xx - Loud Places feat. Romy 

Steal The Light: Rohn-Lederman transforma su música con colaboraciones de lujo

 

El dúo internacional Rohn-Lederman, formado por la vocalista estadounidense Emileigh Rohn (Chiasm) y el experimentado músico belga Jean-Marc Lederman (The Weathermen, Ghost & Writer), regresa con Steal The Light, un EP digital que vio la luz el 4 de febrero de 2025. En esta nueva entrega, el dúo reinventa su propio sonido con la ayuda de un elenco de renombrados artistas de la escena electrónica.

Este trabajo se compone de remixes reinterpretados por figuras como Stefan Netschio (Beborn Beton), Noemi Aurora (Helalyn Flowers), Aiboforcen y el mexicano Sarmen Almond (Man In Motion), quienes aportan su visión personal a la atmósfera cinemática e industrial característica del dúo.

Lo que hace especial a Steal The Light no es sólo su exploración sonora, sino la forma en que Rohn-Lederman equilibra lo melódico con lo inquietante. La etérea voz de Rohn, cargada de una emotividad casi hipnótica, se entrelaza con las instrumentaciones de Lederman, que oscilan entre el synth envolvente y los paisajes oscuros del EBM. El resultado es una experiencia inmersiva que juega con el contraste entre lo luminoso y lo turbio, ideal para almas insomnes en busca de una banda sonora para sus pensamientos nocturnos.

Más que un simple EP de remixes, Steal The Light es una muestra de la versatilidad de Rohn-Lederman y su capacidad de reinventarse sin perder su esencia. Un viaje sonoro que confirma su lugar en la vanguardia de la música electrónica oscura.

Del darkwave al alt-rock: Corlyx explora todas sus influencias en Purple Pain

El trío de death pop Corlyx está listo para marcar un hito en la escena oscura con Purple Pain, su álbum más ambicioso hasta la fecha. Con 19 pistas que fusionan synthpop ochentero, post-punk, darkwave y alt-rock, este doble LP encapsula la esencia de la banda en su máxima expresión.

Desde su formación en Los Ángeles hasta su actual base entre el Reino Unido e Italia, Corlyx ha ido consolidando un sonido propio, alimentado por giras junto a Blutengel, Twin Tribes y Unzucht, además de colaboraciones con artistas icónicos del género como Lord Of The Lost y Massive Ego. Ahora, con Purple Pain, buscan llevar su visión a nuevas alturas.

El álbum, cuyo título rinde homenaje a Prince, es un recorrido sensorial donde lo melancólico se mezcla con lo bailable, lo introspectivo con lo extravagante. Temas como Death Is The Beginning, inspirado en la pérdida de la madre de Caitlin Stokes, evocan una profundidad emocional cruda, mientras que otros, más dinámicos, prometen encender las pistas de baile góticas.

Brandon Ashley, guitarrista y productor, describe el proceso creativo como una avalancha de inspiración imparable. “Las canciones surgían una tras otra. No pudimos detenernos”, explica, destacando también la incorporación de influencias setenteras y un matiz bluesy que aporta una textura inusual al álbum.

La edición en vinilo, con 12 temas seleccionados, sintetiza la esencia del disco, mientras que el doble CD ofrece la experiencia completa, sumergiendo al oyente en un viaje oscuro y expansivo.

El 14 de febrero de 2025, Purple Pain llegará para redefinir lo que significa ser goth en la actualidad. Con un equilibrio entre lo sombrío y lo vibrante, Corlyx demuestra que la oscuridad también puede ser emocionante, sensual y sorprendentemente divertida.

Entre lo ancestral y lo futurista: Nuestra Tierra reinventa el folclore en clave electrónica

 

Celebrando una década de exploración musical, Santi & Tuğçe nos entregan Nuestra Tierra, un EP que honra las raíces mitológicas y espirituales de su trayectoria. Desde Berlín, el dúo revisita los paisajes y relatos que los moldearon, entrelazando sonidos electrónicos, acústicos y letras cósmicas que nos transportan a un mundo de ciclos y renacimientos.

El EP abre con Buffalo Woman, una poderosa meditación sobre la resiliencia y la transmisión del conocimiento ancestral, inspirada en la legendaria Mujer Búfalo Blanco. Su fusión de sintetizadores hipnóticos, percusión tribal y versos evocadores nos sumerge en un viaje de búsqueda y transformación.

En Sky Woman, el dúo reimagina la historia de una deidad celestial que desciende con semillas de girasol, tabaco y luz. La instrumentación etérea y la voz de Tuğçe tejen un tapiz sonoro que emula el descenso de la diosa y la creación del mundo.

El EP cierra con Nana, una canción de cuna espectral que nos envuelve en un ambiente de intimidad y desolación. Con una instrumentación minimalista y melodías oníricas, nos transporta a un universo donde solo quedan dos almas despiertas bajo el resplandor de una nebulosa.

A través de Nuestra Tierra, Santi & Tuğçe transforman la mitología en un acto sonoro, recordándonos que la música, como los relatos ancestrales, nos une en un mismo ciclo de creación y memoria.

Electro y EBM sin concesiones: el EP póstumo de Jardines Sin Explorar

 

El sello Of Dolls and Murder presenta Control 333, el EP póstumo de Leo Méndez, mente creativa detrás de Jardines Sin Explorar. Este lanzamiento, realizado en colaboración con d21 Records y Little Butterfly Records, es más que una obra musical vibrante y contundente.

Compuesto por dos temas llenos de energía, Control 333 encapsula el enfoque intransigente de Leo hacia el electro y el EBM, géneros que moldeó con su distintiva visión. Aunque originalmente concebido como un EP de cuatro pistas, la partida prematura del artista dejó el proyecto incompleto, pero su esencia sigue intacta en cada compás.

Este lanzamiento en vinilo no sólo rescata sus últimas creaciones, sino que también celebra su impacto en la música electrónica underground. Control 333 es una despedida cargada de emoción, donde el pulso implacable de su sonido sigue latiendo, recordándonos que el arte es eterno.

Desde Buenos Aires para el mundo: Happy707 expande el sonido latino en la electrónica global

 

Desde el corazón del underground latinoamericano, el dúo Happy707 irrumpe en Disidencia Records con Ascensor Para El Cadalso, un EP de cinco pistas que fusiona con maestría el electro, el wave y el industrial, entregando una experiencia sonora tan agresiva como hipnótica.

El disco se construye sobre una base de voces punzantes, distorsión precisa y golpes rítmicos demoledores, mientras melodías seductoras emergen entre la crudeza de las texturas electrónicas. La intensidad del EP alcanza nuevas alturas con el remix de Legowelt, el enigmático genio holandés de los sintetizadores, quien reinterpreta uno de los temas con su inconfundible estilo retro-futurista.

Ascensor Para El Cadalso es un viaje implacable a través de ritmos energéticos y paisajes sonoros meticulosamente diseñados. Con este lanzamiento, Happy707 no solo refuerza su identidad dentro de la escena electrónica alternativa, sino que también eleva el estatus del electro latinoamericano a una nueva dimensión.

Estocolmo suena más oscuro que nunca: Majestoluxe estrena su implacable nuevo álbum

 

En Wretched Conditions, Majestoluxe destila la esencia más cruda y afilada del industrial en un álbum que equilibra la agresión con la estructura, la oscuridad con el ritmo y la brutalidad con la precisión sonora. A lo largo de 13 temas, el productor sueco despliega su característico sonido, con una cara A orientada al industrial pop y una cara B más áspera, pero siempre con una dirección clara.

Temas como Assertive Indifference, Money Mules y Blood on the Ceiling muestran su dominio del género con una producción electrizante, mientras que las colaboraciones con EMMON, Aux Animaux, LIVMØDR y Post Kontrôl añaden capas de diversidad y texturas a este mundo de sintetizadores ásperos y ritmos mecánicos.

Mezclado y masterizado por Jimmy Monell (Kite, EMMON), el álbum suena pulido sin perder su filo, con un acabado que recuerda la crudeza del industrial de los 80, pero con una energía moderna que lo sitúa a la vanguardia de la escena electrónica alternativa. Wretched Conditions no sólo marca un hito en la trayectoria de Majestoluxe, sino que también refuerza su posición como una de las voces más intrigantes dentro del panorama electro-industrial actual.

RETRO-spectiva 2015 parte 1

 La mejor manera de reflexionar sobre la música creada hace 10 años es tomarse el tiempo para meditar sobre esa misma década. Cristhian Sonar pone su mirada en estos años y analiza cómo ha evolucionado la música con el tiempo.

Esta retrospectiva 2015/2025, 10 años en la música y sus aportaciones, comienza en 2015. Así que escucha esta primera parte y sumérgete en el viaje musical.

Entre el amor y la paranoia: THROUGH BLINDS es el sonido de un observador atrapado en su propia historia

 

En THROUGH BLINDS, su segundo álbum, SOFT VEIN reafirma su identidad dentro del panorama electrónico, explorando la dualidad entre la nostalgia y la vanguardia. Con 10 pistas que oscilan entre la pista de baile y la introspección, Justin Chamberlain construye un universo sonoro donde el deseo, la pérdida y la observación se entrelazan en un tejido de sintetizadores envolventes y ritmos pulsantes.

Desde la melancolía romántica de FALLING y WASTING DAYS hasta la agresividad industrial de GOD WHISPERS y BLACK BAG, el álbum ofrece una gama de emociones contrastantes, guiadas por influencias que van desde Depeche Mode, Clan of Xymox y Nitzer Ebb hasta la sensibilidad cinematográfica de Brad Fiedel en Terminator 2.

La producción a cargo de Ewan Alastair Kay (Kontravoid, Zanias) otorga un acabado impecable, donde guitarras etéreas, sintetizadores en cascada y percusión metálica crean un sonido tan evocador como enigmático. Chamberlain se presenta como un narrador distante pero apasionado, observando la vida a través de persianas entreabiertas, atrapado entre el anhelo y la incertidumbre.

Con THROUGH BLINDS, SOFT VEIN no solo expande su sonido, sino que sella su lugar en la escena del darkwave y el synthpop industrial, fusionando lo familiar con lo desconocido en un álbum que late con emoción contenida y sombras futuristas.

Desde el futuro sombrío de la música electrónica llega POLAROIDS

 

Desde las sombras del underground electrónico, R E P < > L ^ K N T regresa con POLAROIDS, una colección de paisajes sonoros donde el dark synth, el cold wave, el EBM industrial, el synthpop y el synthwave se funden en un viaje hipnótico y decadente.

El dúo, conformado por Michael Skye (Lust for Nothing, Systematic Overload) y Steve Klocken o Mann (Punchdrunk, Obomatic, Death Trip), expande su universo distópico con un sonido que evoca tanto la melancolía retrofuturista como la pulsión de las pistas de baile más oscuras. Cada tema en POLAROIDS es un fotograma de un mundo donde la tecnología y la nostalgia colisionan, con sintetizadores envolventes, secuencias hipnóticas y una energía mecánica que late en cada compás.

Con un post-post remix incluido en la mezcla, POLAROIDS no sólo es un álbum, sino una invitación a sumergirse en una experiencia sensorial donde los androides bailan y la noche nunca termina.

Desde Leipzig, Carnal Machinery golpea fuerte con TD3EP

 

Desde Leipzig, Jacques Saph, mente detrás de Carnal Machinery, nos entrega TD3EP, un trabajo visceral que encapsula la esencia del EBM, el industrial y el acid, fusionados con un espíritu punk que se siente tan crudo como incendiario.

El EP, compuesto por tres cortes intensos ("Weight of Treason", "Money is the Devil" y "Against the Odds"), no deja espacio para la complacencia. Cada pista es un golpe directo al sistema, con bajos palpitantes, percusión mecánica y sintetizadores distorsionados que evocan la urgencia de un manifiesto sonoro. La agresividad rítmica se entrelaza con estructuras experimentales, recordándonos que Carnal Machinery no busca encajar en moldes, sino romperlos.

Proudly underground, TD3EP es una invitación a sumergirse en un mundo donde la electrónica es tan sucia como subversiva. Un lanzamiento para quienes encuentran en el caos su propio ritmo.

Front Line Assembly lleva sus colaboraciones al siguiente nivel con Mechviruses

 

A lo largo de diez temas, Mechviruses oscila entre el darkwave, el metal-industrial y el synthpop, ofreciendo una experiencia que captura la esencia distópica del proyecto sin perder su evolución constante. Los beats contundentes y las atmósferas densas se combinan con nuevos arreglos, voces y elementos electrónicos que revitalizan la esencia de Front Line Assembly, manteniendo su identidad mientras exploran terrenos inexplorados.

Las colaboraciones con artistas como ULTRA SUNN, Ayria, Bootblacks, Seeming, Encephalon, Fotocrime, MVTANT y s:cage enriquecen la experiencia, aportando matices que van desde la melancolía hasta la agresión mecánica. En este sentido, el álbum no solo rinde homenaje al legado de la banda, sino que también abre puertas a una reinvención que difumina los límites entre la máquina y la música.

Con Mechviruses, Front Line Assembly vuelve a demostrar por qué sigue siendo una de las bandas más influyentes dentro del industrial electrónico. Este álbum no es simplemente una recopilación de remixes, sino una reimaginación completa de su sonido, donde cada pista es desmantelada, reconstruida y llevada a nuevas dimensiones sonoras. Mechviruses es  una declaración de intenciones: la evolución es la única constante en su universo sonoro. Para los seguidores de la banda y para aquellos que buscan una experiencia inmersiva en el industrial moderno, este álbum es una parada obligatoria.

Gritos entre sintetizadores y distorsión: TASSEL nos sumerge en la crudeza de V. Crawling / X

 

Desde las sombras del minimal synth y el industrial, TASSEL debuta con V. Crawling / X, un EP que no solo abraza la oscuridad, sino que la convierte en un paisaje sonoro tan hipnótico como inquietante. Este lanzamiento, extraído del álbum A Sacrifice: Unto Idols, presenta dos piezas que exploran la alienación, la desesperación y la búsqueda de significado en un mundo fragmentado.

"V. Crawling", con su pulsación electrónica y su lamento melódico, es un ruego erótico por la redención. Su instrumentación sintética se desgarra entre capas de distorsión y voces espectrales, evocando la sensación de arrastrarse en busca de ideales inalcanzables. Las remezclas de Black Light Smoke y Lana Del Rabies expanden esta experiencia, deformando el sonido original hasta convertirlo en una pesadilla electrónica.

Por otro lado, "X." es una inmersión en territorios aún más crudos y mecánicos. Entre voces sumergidas en químicos y guitarras inyectadas de ruido, la canción se desliza como una cuchilla sobre ritmos descompuestos. La influencia del EBM y el industrial se hace más evidente, recordando el impacto de clásicos del género pero con una visión moderna y corrosiva. Las remezclas de Kontravoid y Plack Blague intensifican esta sensación, llevándola a extremos aún más oscuros y sintéticos.

En un mundo donde la música repetitiva suele ser despreciada por su supuesta falta de complejidad, TASSEL demuestra que la repetición bien empleada puede generar una atmósfera asfixiante y catártica. V. Crawling / X es un EP que no busca concesiones: es un manifiesto de pulsiones primarias, de emociones distorsionadas y de belleza en la descomposición.

El post-punk indonesio alcanza nuevas profundidades con Klandestine

 

Desde la vibrante escena musical underground de Indonesia, la banda de post-punk y deathrock Klandestine lanza su nuevo maxi-single, "ESSENCE/WORSHIP", a través del sello independiente Forfun Cookies. Este trabajo no sólo es un homenaje al sonido oscuro y sombrío de los años 80, sino también una exploración emocional sobre los tabúes y las incertidumbres de la vida.

En "Essence", Klandestine combina un ritmo de batería urgente y una línea de bajo opresiva con guitarras distorsionadas que lanzan ecos desgarradores y sintetizadores envolventes. La atmósfera es un torbellino de desesperación, acentuada por la voz grave y baritonal que parece emerger de un abismo primigenio. Es una representación sonora de la lucha interna entre lo que la sociedad considera aceptable y el deseo de vivir con autenticidad.

Por otro lado, "Worship" lleva la oscuridad un paso más allá. La banda crea un paisaje más obsesivo y espectral, con guitarras que gritan en agonía, teclados que giran en espirales desoladas y campanas siniestras que anuncian una celebración de las sombras. Las vocales profundas y épicas confrontan a aquellos que se esconden en la ambigüedad moral, entregando un himno a la confrontación de lo prohibido.

Con influencias que recuerdan a Christian Death y Bauhaus, Klandestine mantiene viva la esencia del gótico punk, canalizando la ira y la desesperación en una narrativa sonora que es tan inquietante como cautivadora. "ESSENCE/WORSHIP" no es solo un homenaje al género, sino una declaración audaz de su relevancia contemporánea, consolidando a Klandestine como una fuerza imprescindible dentro de la escena underground.

El simbolismo detrás de "Swamp Dream #3" de Everything Is Recorded

El video de "Swamp Dream #3", colaboración entre Everything Is Recorded y Mary in the Junkyard, es una obra visual tan cautivadora como inquietante. Dirigido con un simbolismo visceral, nos transporta a un paisaje pantanoso donde lo real y lo metafórico hacen buena mancuerna en una narrativa introspectiva.

En pantalla, observamos a Mary cargando un televisor antiguo que, en un giro surrealista, contiene una versión alterna de sí misma, maquillada con un antifaz. Esta Mary camina por un terreno lleno de lodo e insectos, arrastrando un cable eléctrico que conecta al televisor con una fuente de energía. Sin embargo, el cable se tensa y se desconecta, dejando al televisor sin vida. En un acto liberador, Mary arroja el aparato al pantano, donde se hunde lentamente. La escena culmina con ambas versiones de Mary mirándose: una desde debajo del agua y otra desde la superficie.

Más allá de la narrativa literal, el video explora el peso de la identidad y la necesidad de liberarse de las máscaras que cargamos. La "Mary del televisor" representa esa parte de nosotros que dicta el rumbo pero que, al mismo tiempo, nos limita. Al deshacerse del televisor, la protagonista no sólo rompe con esa carga, sino que encuentra la libertad al desidentificarse de su propio personaje.

Este video no sólo destaca por su simbolismo, sino también por la impecable producción musical de Richard Russell y su proyecto Everything Is Recorded, conocido por reunir un talento colaborativo excepcional. Como parte del próximo álbum Temporary, esta pieza visual y sonora captura el espíritu introspectivo y luminoso que define el proyecto.

"Swamp Dream #3" es una experiencia que fusiona la música con el arte visual para narrar una historia tan personal como universal, recordándonos que, a veces, para avanzar debemos dejar ir lo que creemos ser.

Piombo: el EP que pone a Faglia en el mapa del rock gótico actual

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El EP Piombo de Faglia es una explosión moderna de rock gótico que rinde homenaje a las raíces del género mientras navega por los desafíos de la escena musical actual. Este lanzamiento, caracterizado por su profundidad atmosférica y sus guitarras cargadas de emoción, refleja la lucha de las bandas emergentes en un mercado saturado pero lleno de posibilidades gracias a las plataformas digitales.

Faglia se enfrenta a un panorama en el que ya no son los sellos discográficos quienes dictan el éxito, sino el dominio de plataformas como Spotify y YouTube. A pesar de este reto, Piombo logra destacar con un sonido que combina la melancolía clásica del rock gótico con una producción pulida y actual.

Cada pista del EP es una muestra de la pasión de estos músicos italianos, que aunque han llegado tarde a la gran repartición del "pastel musical", demuestran que la autenticidad sigue siendo su mayor fortaleza. Piombo es una invitación a redescubrir la fuerza del rock gótico en un formato contemporáneo y accesible, ideal para quienes buscan una conexión entre lo clásico y lo moderno.