Dead Invi Eye: Más de cuarenta años de experiencia convertidos en heridas musicales

 

Pascal lleva cuatro décadas en la música, unas veinte grabaciones, innumerables proyectos. Christelle viene con su voz, sus teclados, su sensibilidad. Juntos forman Dead Invi Eye, un dúo que no busca encajar en ningún molde sino construir un sonido que refleje quienes son. Résilience es el resultado de ese encuentro, un álbum donde la sombra y la melodía se convierten en una misma sustancia.

El sonido se mueve entre el darkwave, el new wave y el coldwave, aunque las etiquetas sobran. Lo que importa es la atmósfera: oscura pero con destellos de luz, siempre en movimiento. Bajos profundos, sintetizadores envolventes, guitarras que recuerdan a los ochenta, y letras que hablan de emociones y fragmentos de vida sin pretensiones. Pascal sabe de estudios, de escenarios, de dudas y de empezar de nuevo. Pero Dead Invi Eye es algo distinto. Más libre. Más instintivo.

No buscan ser tendencia ni encajar en un formato. Buscan que alguien sienta algo. Si la música toca a alguien, aunque sea por un momento, ya ha encontrado su lugar.

Dysthymie publica Me Without Me, un álbum sobre la desconexión con la propia identidad y la batalla interna silenciosa

 

Hay materiales sonoros que explican algo que uno no sabía que necesitaba nombrar. Me Without Me es uno de ellos. Dysthymie construye un álbum sobre la desconexión con la propia identidad, esa sensación de observar la vida desde afuera mientras algo por dentro tira en dirección opuesta. El título lo dice todo: un yo sin el yo, una presencia que se observa a sí misma como si fuera otra.

La música oscila entre paisajes sonoros mínimos y frágiles y momentos de intensidad contenida. No hay estridencias, no hay golpes de efecto. Hay una tensión que se mantiene justo por debajo de la superficie, como alguien que sostiene una conversación consigo mismo y no puede ponerse de acuerdo con nadie. Las letras parecen fragmentos de un diálogo interno, dos voces discutiendo: una que intenta aferrarse y otra que quiere soltar.

El disco no ofrece respuestas. Ofrece compañía en la incomodidad. Esa sensación de no reconocerse del todo, de habitar un cuerpo que a veces se siente ajeno. Dysthymie entiende que esa lucha interna, aunque no tenga solución, es parte de lo que nos hace humanos.

NOHYCIT: El artista boliviano se aleja de las imitaciones para construir un sonido basado en sus propias vivencias

 

No es un statement artístico. Es una colección de vivencias. NOHYCIT lo deja claro desde el principio: Post Mortem no busca parecerse a nadie, aunque respeta a quienes han construido el camino. Este EP de Advoxya Records funciona como adelanto de un álbum más extenso, una puerta abierta a un mundo sonoro que el artista boliviano ha estado construyendo sin concesiones.

Las influencias se sienten sin dominar. Hay ecos de la electrónica oscura, de la EBM más castigadora, de momentos donde la atmósfera se vuelve densa y otros donde el ritmo empuja sin piedad. Pero NOHYCIT no imita. Toma lo que necesita y lo procesa a través de su propia experiencia, de su propia geografía, de su propia forma de entender el sonido.

Bolivia no es un centro habitual de la electrónica industrial, pero este EP demuestra que la ubicación no debería ser un límite. La reserva ya está abierta a través de Advoxya Records. La recomendación es clara: no perdérselo.

 

Patrick Knoch podría haberse puesto al frente de su tercer álbum. Eligió lo contrario. Humility es un ejercicio de confianza y gratitud, un disco donde el talento del creador se mide por su capacidad para reconocer la voz correcta para cada canción y darle espacio para florecer. La lista de colaboradores es un quién es quién de la escena synth pop europea, y cada uno aporta su color sin romper la identidad del proyecto.

"Falling" con ECHO IMAGE y "Too Far From The Pack" con Salva Maine ya adelantaban la fórmula: profundidad emocional, eficiencia para el club y actuaciones vocales que elevan cada composición. El resto del álbum mantiene el nivel, con cortes que navegan entre la balada, el mid tempo y el himno para pista de baile sin perder cohesión.

La base musical sigue firme en el future pop, el synth pop y el electro wave, con ritmos potentes, texturas armónicas sofisticadas y arreglos cuidados. Melodías pegadizas conviven con atmósferas melancólicas, un equilibrio que recuerda a los grandes nombres del género: VNV Nation, Solitary Experiments, DE/VISION, Solar Fake, Icon of Coil.

Humility no habla de ego. Habla de conexión. De entender que los momentos más fuertes ocurren cuando el talento se comparte en lugar de reclamarse. Una fuerza silenciosa, una voz colectiva.

La banda sueca pasó una semana en Túnez y el resultado es un trabajo donde el lugar y el proceso se vuelven inseparables

 

Tres años de carrera y un cambio de rumbo que se siente en cada compás. INLEGION dejó Suecia por una semana para grabar en Cartago, Túnez, y el resultado es Carthaginian Sessions, un EP de cuatro temas donde la ciudad antigua se convierte en coautora. Las capas electrónicas siguen siendo la columna vertebral, pero hay algo nuevo en la mezcla. Una sinfonía más oscura, una expresión lírica más elevada, una atmósfera que huele a piedra milenaria y a las cenizas de una ciudad que los romanos arrasaron.

La banda lo dice claro: el lugar y el proceso se volvieron inseparables del resultado final. No es un EP de turismo musical. Es la escucha de un espacio que se filtra en las máquinas. Las texturas suenan más densas, los ritmos más pesados, como si el peso de la historia hubiera encontrado un camino hacia los sintetizadores.

Carthaginian Sessions es el tercer EP de INLEGION en 2025, después de In Awe y su remix de "Catherine (You Are the Wheel)". El proyecto sueco no frena el ritmo. Más música está planeada para 2026. Si este es el camino que han elegido, vale la pena seguirles la pista.

Oliver Ackermann abre su archivo personal de grabaciones nocturnas, cintas saturadas y sesiones a medio terminar

 

El proyecto de Oliver Ackermann abre su archivo personal de diez años (2015-2025) y entrega una colección de demos, caras B, experimentos abandonados y fragmentos olvidados que nunca habían visto la luz. La sorpresa no es el contenido, sino el formato. Cada edición (CD, casete, vinilo y digital) tiene su propia lista de canciones distinta. No hay versión completa. Cada soporte es una ventana diferente al caos.

Las grabaciones capturan a la banda en su estado más crudo. Riffs mutados por pedales que funcionan mal, canciones nacidas de equipos llevados al límite, melodías frágiles devoradas por muros de retroalimentación hasta que solo queda el fantasma. Algunas piezas suenan a prototipos que luego florecieron en álbumes de estudio. Otras son callejones sin salida, ideas demasiado volátiles o extrañas para encajar en un lanzamiento oficial.

Rare and Deadly no es un compilado. Es un documental auditivo. Una prueba de que APTBS siempre ha prosperado en el espacio intermedio entre el control y el derrumbe, la melodía y el ruido, la belleza y la distorsión.

Para quienes creen que la disco y el cementerio pueden compartir pista, DIЯTY|PΔWS presenta su lado más oscuro

 

No todos los proyectos pueden mirar atrás y ver una década de evolución. DIЯTY|PΔWS sí. Dark Collection reúne temas creados entre 2013 y 2022 que capturan el cruce poco probable entre la estética gótica y el espíritu del hip hop de vieja escuela. Diez años de trabajo condensados en un compilado atmosférico donde los beats agresivos del trap y las melodías melancólicas de sintetizadores sobrecargados del witch house conviven sin pedir permiso.

El resultado suena a algo que no debería funcionar pero funciona. Los golpes de caja y los bajos pesados arrastran el cuerpo hacia el movimiento, mientras las capas de sintetizadores construyen una niebla que envuelve todo a su paso. Hay una tensión constante entre la agresión rítmica y la melancolía melódica, una pulsión entre el club y el cementerio que la banda maneja con oficio.

DIЯTY|PΔWS demuestra que las influencias aparentemente opuestas pueden encontrar un terreno común cuando la ejecución es honesta. Dark Collection no es un disco para puristas de ningún género. Es para quienes creen que la música no debería pedir permiso para mezclarse.

Una advertencia contra el exceso de poder tecnológico, pero sin demonizar la máquina, Nightsnatcher muestra su cara renovada

 

Veintitrés años después de su fundación como proyecto solista de Stefan Rokohl, Nightsnatcher se convierte en un trío. Phil Brandmeier y Dirk Rüdes, de la banda darkwave Platinum Bones, tocaron la puerta en 2025 para reinterpretar dos temas. Lo que empezó como una colaboración puntual terminó siendo una nueva formación y un nuevo álbum, Maschinenlust, que ya está en circulación.

El sonido sigue siendo fiel a las raíces electro industriales del proyecto, pero hay una energía renovada. Aggrotech y EBM se dan la mano con un toque de synth pop, un equilibrio que el trío maneja con oficio. El tema central es la relación entre humano y máquina, una advertencia contra el exceso de poder de la tecnología, pero sin caer en el alarmismo fácil. Las letras saben que la máquina no es el enemigo, sino el uso que hacemos de ella.

El trío ya trabaja en su próximo lanzamiento, Beat the Bastards, que parece estar cerca de ver la luz. Nightsnatcher demuestra que los proyectos pueden renacer cuando las puertas se abren a nuevas alianzas.

Quince minutos de texturas crudas y atmósferas oscuras para canalizar la disociación y el agotamiento emocional

 

Brasil tiene una nueva tormenta eléctrica en formato EP. Kyro Coma, originaria de Fortaleza, Ceará, maneja RatPajama como una trinchera personal. Composición, producción, diseño de sonido, voces, arte visual, dirección conceptual. Todo pasa por sus manos. El proyecto nació en 2020 como una válvula de escape para la disociación, el deseo reprimido, el agotamiento emocional y la ira política. Cinco años después, Brand New Obscure condensa esas heridas en quince minutos de darkwave, EBM e industrial.

"Danse Macabre (Remastered)" abre con una elegancia podrida, una coreografía para esqueletos sobre ritmos distorsionados. "Dire Needs" empuja con urgencia, la voz de Coma se niega a pedir permiso. "Corpo Incógnita" cambia al portugués y se vuelve aún más visceral, un cuerpo que no quiere ser reconocido. "Rato" cierra con la furia justa, un roedor que se niega a ser aplastado por el sistema.

Las influencias se dejan sentir sin dominar. Hay algo de Trent Reznor en la densidad industrial, de Coil en las texturas enfermas, de la EBM clásica en los pulsos castigadores. Pero RatPajama tiene una identidad propia, forjada en el nordeste brasileño, con el calor y la rabia como materias primas

ee:man lanza Evolving Dome of Madness, un EP de electrónica industrial sobre las ideas retorcidas de los líderes mundiales

 

El mundo se está volviendo un lugar difícil de mirar a los ojos. ee:man lo sabe y por eso entrega Evolving Dome of Madness, su tercer EP en Tinnitorturous, como un espejo deformado de las ideas retorcidas que llegan desde los que supuestamente deberían conducirnos. No hay consuelo aquí. Hay diagnóstico.

La electrónica del proyecto siempre ha sido oscura y melancólica, con matices industriales bien marcados y una vocación cinematográfica que no pide permiso para expandirse. Este EP profundiza en esa veta más cruda. Las atmósferas se vuelven más opresivas, los acordes reventados suenan como algo que se rompe y sigue funcionando igual, los ritmos avanzan con la torpeza de un mecanismo que ya no debería estar andando pero se niega a parar.

ee:man construye un universo sonoro donde la locura colectiva se vuelve audible. Un trabajo para escuchar con luces apagadas y la certeza de que no se está solo en la incomodidad.

No es un disco de desesperación, es de claridad: la conciencia de que muchos aprendieron a ver el mundo en negro

Hay discos que se eligen por su sonido. Y hay discos que se imponen como una necesidad. We Lived Our Lives in Black pertenece a la segunda categoría. Chemical Waves construye un álbum sobre la conciencia emocional y las cicatrices invisibles, esas que se forman antes de que aprendamos a nombrarlas. La frase que da título no es una pose. Es el reconocimiento de que para muchos el negro no fue una decisión de estilo, sino el primer idioma con el que aprendieron a mirar el mundo.

El disco abre con "Where Did We Drift Apart?", una pieza instrumental que ya es una ruptura. No hay respuestas, sólo distancia. La separación no es un evento, es una condición permanente. "All This Fires" con Pedro Code toma un texto de Rilke y convierte la oscuridad en origen, no en algo que combatir sino en algo que reconocer como fuente. "Allegations" junto a The Spoiled narra la disolución de una relación donde las acusaciones y las sombras terminan de deshacer lo que el amor ya no sostiene.

"Let Me Be Your Light" con The Occasion flota entre fantasmas y callejones nocturnos. Un deseo frágil de seguir siendo guía para alguien, aunque sea por una noche. "Midnight Scarlet Blue" captura el instante donde la belleza y la pérdida coexisten, un amor que nunca se completa pero que deja dos vidas atadas para siempre. "Does the Body Stay" con Projector Fires pregunta qué queda cuando el tiempo y la experiencia se han grabado en la carne. El cuerpo se vuelve lugar de transformación y disolución.

"Porcelain Ghost" con Spook Candy añade un tono sensual y perturbador, un amor imposible de "leche y formaldehído". "My Old Friend" con Perpetual Midnight es un diálogo con la soledad como compañera de larga data. "The Silence Between Us" con Another Abyss es una confesión cruda sobre el amor no correspondido y esa sensación de ser quien murió primero. "Capitaine Rouge" con Nico Amara cierra con una dimensión casi épica, una figura que nunca abandona a quienes se quedan solos.

Vivir en negro significa crecer dentro de una sombra. Pero también encontrar, dentro de esa sombra, una forma de verdad y consuelo.

Devision Redux: un nuevo formato no reemplaza a DE/VISION, lo expande

 

DE/VISION no necesita presentación para los que crecieron con sintetizadores alemanes en los ochenta y noventa. Pero hasta las bandas consagradas necesitan respirar aire nuevo. De ahí nace DEVISION REDUX, un formato paralelo que no reemplaza a la banda original sino que la expande. Las canciones más importantes del catálogo se reinterpretan con ropaje más bailable, más moderno, más minimalista, pero siempre puramente electrónico.

Steffen Keth eligió a Daniel Myer (HAUJOBB, DSTR, COVENANT) como socio para esta aventura. No es un nombre cualquiera. Myer siguió la historia de DE/VISION desde el principio, hizo remezclas para ellos en los noventa y compartió escenarios con sus otros proyectos. La química no se construye de la nada, se hereda de años de respeto mutuo.

Echoes We Keep recoge esa complicidad en formato sonoro. Los himnos de siempre suenan más oscuros, más contundentes, listos para una pista de baile que antes quizás los hubiera mirado con distancia. Devision Redux ya debutó en vivo en los países bálticos y en Alemania durante la Pascua de 2025. Con este lanzamiento, la expansión parece recién empezar.

Coutoux: Bajos pesados y sintetizadores agresivos construyen un futuro distópico sin necesidad de letras

No hace falta un sello millonario ni reseñas en revistas de papel para construir un mundo. Coutoux lo sabe. CTX003 es un EP de electrónica instrumental que respira cyberpunk y synthwave oscuro, un puñado de texturas sintéticas diseñadas para generar adrenalina en quien se atreva a presionar play. Las críticas especializadas no han llegado, pero las plataformas de nicho ya encontraron su hogar en estas pistas.

El sonido es digital hasta los huesos. Bajos pesados que vibran en el pecho, sintetizadores agresivos que arañan la mezcla, ritmos tensos que no dan tregua. Hay algo de phonk instrumental en la producción, algo de banda sonora para videojuegos de acción, una sensación de que en cualquier momento va a aparecer una patrulla futurista doblando la esquina. La duración es breve, la intensidad es constante.

Coutoux construye una distopía sin palabras. Y a veces, eso alcanza.

Cuatro estados de ánimo para una noche, AIMING consolida la promesa de su debut con un trabajo cohesivo y atmosférico

 AIMING entrega Sail & Wreck, cuatro canciones que navegan entre el shoegaze, el dream pop, el coldwave y el post punk con una seguridad que ya habían insinuado en su EP debut The Legend. Las relaciones fallidas, el miedo a quedar atrapado en el mismo sitio, la necesidad de soltar sin saber cómo. Todo cabe en este viaje sonoro que algunos han comparado con un Simple Minds versión gótica.

La producción cuida cada textura. Los sintetizadores vintage brillan con una calidez de neón suave, las guitarras reverberadas tiemblan en la mezcla, y el ritmo mantiene un pulso constante que empuja sin apurar. "Sail & Wreck", el tema que da título, funciona como una nana relajante que lleva al oyente hacia una tierra de nadie sonora, ese punto donde dejarse llevar y aferrarse ya no son opciones distintas. "First At The Accident" sube el tempo y el cuerpo empieza a mecerse sin permiso. "Shit In The 80s" es exactamente lo que el título promete: darkwave de bajo pesado que intensifica el viaje hasta el final.

AIMING logra que lo expansivo y lo contenido coexistan. Un EP para salir de la rutina, para soltar lastre, para dejarse llevar hacia el naufragio con la certeza de que, a veces, hundirse también es una forma de avanzar.

ZETI: Una década después, la resiliencia tiene nombre

 

Margaret Stutt tardó más de diez años en volver a lanzar música bajo el nombre ZETI. La espera tuvo sentido. it is what it is – prevail nace de un duelo acumulado, de la pérdida de Jfre Coad y Rich Jacobs, dos artistas que le dejaron como herencia un sintetizador y un ejemplo de creatividad DIY sin límites. El EP no es un lamento. Es una celebración de la resistencia, una declaración de que seguir adelante es posible incluso cuando el mundo demuestra ser más oscuro y peligroso de lo que nadie quería imaginar.

Las canciones recorren territorios diversos sin perder coherencia. "Look at the Sky" abre con órgano y un gemido de ese sintetizador heredado, un gesto de ternura en medio del caos. "Candlelight" construye un espacio vasto y vacío donde la voz frágil y la percusión frenética acercan al oyente. "Remain" deja que el sintetizador aúlle y se retuerza contra oleadas de órgano y baterías enloquecidas. "When a Poet is Killed" responde al horror político con versos de shock, tristeza y perseverancia, como una versión en miniatura de Coming Together de Frederic Rzewski.

Cada canción tiene su contraparte en cine experimental de la mano de Ellie Vanderlip. Stutt, que ahora reside en Oakland pero lleva consigo sus raíces de Racine, Wisconsin, muestra una madurez que sus proyectos anteriores (incluido Pezzettino) solo insinuaban. Su práctica zen Soto, su interés por el minimalismo y su fe en el poder redentor de la poesía y el arte se filtran en cada compás.

Un EP para quienes necesitan sentirse apoyados mientras navegan la devastación, para los que quieren encontrar formas de enfrentar lo indeseable y dar el siguiente paso, por pequeño que sea, para prevalecer a pesar de todo.

The Twilight Sad lanza IT'S THE LONG GOODBYE, un álbum sobre la pérdida y el duelo

 

Perder a alguien no termina cuando el funeral se acaba. Sigue en los días grises, en las conversaciones que ya no se pueden tener, en los silencios de la casa. The Twilight Sad saben de eso. IT'S THE LONG GOODBYE es su manera de procesar una pérdida familiar, y la música se vuelve ese coche de regreso del hospital tarde en la noche, cuando el aire pesa y la cabeza no termina de entender lo que pasó.

El disco se mueve entre el synthpop, el darkwave y el shoegaze sin quedarse cómodo en ninguna etiqueta. Robert Smith, que algo sabe de canciones tristes con ganchos perfectos, los define como la mejor banda tocando las mejores canciones. No es un cumplido menor viniendo de él. The Twilight Sad llevan años creciendo en confianza, y las canciones se vuelven más fuertes y profundas con cada entrega.

No es un disco para curar el dolor. Es para acompañarlo. Para que alguien más sepa lo que se siente. Para que la pérdida, al menos, no esté sola.

Hangwire: Segunda lección de post punk revival con matrícula de honor

 Artoffact Records sigue construyendo un ejército oscuro y Hangwire es uno de sus soldados más firmes. Eulogy for the Nameless, el segundo álbum de la banda, perfecciona la fórmula que ya habían adelantado en Farewell sin caer en la repetición. El post punk de los ochenta sigue siendo la columna vertebral, pero la ejecución es más madura, más segura, más propia.

"The Fall" condensa lo que el disco ofrece. Guitarras afiladas con la reverberación justa, sintetizadores atmosféricos que no saturan, y la voz de Andres D'Souza moviéndose entre el carisma y la desolación. Las letras hablan de decadencia urbana, de reflexiones existenciales, del costado oscuro de la experiencia humana. Nada nuevo en el género, pero la intensidad con que lo entregan le da un aire de urgencia que falta en muchas bandas revivalistas.

Hangwire demuestra que el segundo álbum puede ser el punto donde una banda deja de prometer y empieza a cumplir.

Clubdrugs construye una nostalgia de los noventa sin quedarse atrapada en ella, con un sonido de neón y futuro

 

Chicago nunca había sonado tan elegante en su oscuridad. clubdrugs entrega lovesick, su debut en formato largo, y lo hace con la seguridad de quien sabe que el darkwave no es un disfraz sino una forma de habitar el mundo. El álbum es una fiesta que no rehúye las sombras, un equilibrio entre la atmósfera funeral del gótico, los ganchos pegadizos del synthpop y las paredes de ruido del shoegaze. Los noventa asoman en el ADN, pero todo suena a futuro, a neón, a algo que todavía no habíamos escuchado.

La gira con IAMX en 2025 los curtió en carne viva. El remix que clubdrugs entregó para uno de los sencillos de IAMX no fue un favor, fue un intercambio entre pares. El fichaje por Artoffact Records llegó como un matrimonio lógico. Y el video de "Heart 2 Break" se volvió viral porque la imagen estaba a la altura del sonido: elegante, dolorosa, impecable.

Lovesick no es un disco para llorar a oscuras. Es para llorar en la pista de baile mientras los pies siguen moviéndose.

The Bleak Engineers: La sombra de los días que ya no vuelven

 

Lo que estaba perdido ahora se encuentra. The Bleak Engineers rescatan grabaciones de estudio muy celebradas y mezclas inéditas que habían quedado en el camino para armar The Shadow Of The Days Gone By, un EP remasterizado que respira post punk y minimal wave con una fidelidad de 24 bits. No es un disco para auriculares de baja fidelidad. Pide ser escuchado en sistemas que puedan abarcar todo el rango de frecuencias sin cortes.

El sonido se mueve en ese territorio donde el cold wave se encuentra con la new wave, donde el nowave añade aspereza y el minimalismo mantiene todo bajo control. Las rarezas que sobrevivieron al paso del tiempo ahora suenan con una claridad que seguramente no tenían en sus versiones originales. The Bleak Engineers demuestran que la memoria también puede ser un acto de restauración, y que las sombras de los días pasados, bien tratadas, iluminan más de lo que oscurecen.

Para quienes creen que la electrónica puede ser cálida sin perder filo, Lightshifters presenta su propuesta más personal

 

la electrónica no tiene por qué ser fría. Lightshifters lo demuestra en All Life's Absurdities, un EP de cinco canciones donde los sintetizadores respiran, las atmósferas envuelven y la máquina se vuelve orgánica casi sin proponérselo. El proyecto explora el lado oscuro del pop electrónico con una paleta que abarca el industrial, el synthpop, el electro rock, el triphop, el darkwave y hasta el folk. Una mezcla que debería ser caótica y sin embargo fluye con naturalidad.

Cada tema es un mundo aparte, pero todos comparten esa rebeldía silenciosa de las emociones que no aceptan ser domesticadas. No hay impostura. La voz no se esconde detrás de efectos para simular profundidad. Los ritmos no siguen recetas predecibles. Lightshifters construye canciones que invitan a sumergirse sin miedo a encontrar algo incómodo.

Un EP para quienes creen que la electrónica puede ser cálida sin perder filo, y para los que saben que las absurdidades de la vida merecen una banda sonora a la altura.

Nueve canciones nacidas de una experiencia juvenil en los bosques de Appalachia con una presencia sobrenatural

 La primera vez que abel autopsy desarmó instrumentos musicales a batería en los bosques de Appalachia, algo se quedó con él. Una presencia etérea, casi sobrenatural, que ahora atraviesa cada una de las nueve canciones de uunder, su álbum debut. No es un disco para entender con la razón. Es para sentir esa compañía invisible que el músico promete haber capturado.

Las composiciones se mueven entre capas de sintetizadores atmosféricos, beats mecánicos sólidos y una voz que en "ghostride" se vuelve otro instrumento, indistinta, ilegible. Los temas son audaces, cinematográficos, con una predilección por el golpe de trueno cada vez que el tempo o la tonalidad necesitan cambiar de rumbo. "unfound" y "gates" flotan en el territorio entre el Depeche Mode tardío y Nine Inch Nails, con un giro ocasional hacia los sonidos monásticos de Enigma. "mycenae" profundiza en la oscuridad gracias a un bajo extra denso que la convierte en el momento más pesado del álbum. "nihill" cierra con estática crepitante y una sensación de descomposición que sabe a final definitivo.

Las duraciones de los temas son uniformes, todas entre tres minutos y tres minutos y medio, y en momentos la fórmula se siente predecible. Pero uunder es sólo la primera entrega de una trilogía proyectada. Le seguirán overr y outt. Si la evolución acompaña a la ambición, abel autopsy tiene el potencial para construir algo realmente memorable. Un comienzo prometedor para un viaje que recién empieza.

Voces distorsionadas y electrónica gótica para un proyecto que lleva diez años construyendo su identidad

 Kazán no es Londres. Pero el frío se siente igual. London Sadness, el proyecto iniciado por Dmitry en 2015, entrega Eclipse, un EP donde el darkwave y la electro industrial se dan cita para explorar lo que duele. Las influencias de Third Realm y Diary of Dreams se dejan sentir en cada surco, pero la voz del proyecto es propia, rusa, anclada a un territorio donde la melancolía no es una pose sino una condición climática.

"Eclipse", "Before the Sun" y "Static Heart" forman un tríptico de tres canciones donde los sintetizadores atmosféricos construyen paisajes grises y las voces distorsionadas emergen como ecos de algo que ya no puede expresarse en palabras claras. El proyecto habla de sueños incumplidos, de emociones que no encuentran salida, de ese lado oscuro que todos llevamos dentro pero pocos se animan a musicalizar sin vergüenza.

London Sadness demuestra que la oscuridad también puede tener estructura, que la tristeza no excluye el pulso electrónico. Un EP para los que necesitan recordar que no están solos en la incomodidad de existir.