2024-12-28

Entre la melancolía y el ritmo: Jardín de Piedras explora nuevas sonoridades



Con Jardín de Piedras, el proyecto guatemalteco Guerra Fría se atreve a explorar nuevos horizontes sonoros, rompiendo con la melancolía clásica del coldwave y mezclando su esencia oscura con elementos de dance-pop. Este álbum, lanzado en mayo, marca un cambio en la dirección estilística de su discografía, ofreciendo un conjunto de experimentos que oscilan entre lo introspectivo y lo rítmico.

El tema de apertura, que da título al álbum, sorprende con un flujo bailable único dentro del repertorio de Guerra Fría. Piezas como "Flores, Perfume" regresan al sonido característico del artista pero añaden matices que enriquecen la atmósfera, aunque no llegan a evolucionar completamente. "Cuando El Silencio Llegó" brilla como un homenaje al coldwave más puro, evocando inevitablemente a nombres como Molchat Doma.

El segundo tramo del álbum introduce una interlude, "Soy Un Monstruo", que se siente más como una pausa meditativa que como una simple transición. Destacan también colaboraciones como "La Nuit" con Sad Madona, donde se fusionan los nuevos ritmos de dance-pop con la base gélida de siempre. La balada "Arrancaré Mi Piel" es un experimento exitoso que añade piano a la fórmula, mostrando la capacidad de Guerra Fría para expandir su paleta sonora sin perder su esencia.

A pesar de que algunos experimentos en Jardín de Piedras no logran consolidarse, otros ofrecen destellos prometedores de lo que podría ser un nuevo camino para el artista. Es un álbum audaz que desafía las expectativas y plantea preguntas sobre el futuro de Guerra Fría en el universo del coldwave.


Lujuria de vivir: La vida exuberante de Van Gogh de Irving Stone




Es un fascinante retrato novelado de la turbulenta existencia de uno de los artistas más influyentes y trágicos de la historia. Vincent Van Gogh, nacido en 1853 en Holanda, vivió en constante tensión entre su sensibilidad artística y la indiferencia de un mundo que no estaba listo para comprender su genialidad. A través de encuentros con figuras como Gauguin, Toulouse-Lautrec y Seurat, su búsqueda de sentido se plasmó en un arte vibrante y único, precursor de movimientos como el fauvismo y el expresionismo. Sin embargo, su vida estuvo marcada por la pobreza extrema, luchas internas y episodios de locura, culminando en su trágico final a los 37 años, tras vender solo un cuadro en vida. Stone captura con maestría el espíritu apasionado de Van Gogh, una existencia de intensos contrastes que refleja tanto la grandeza como el tormento del genio creador.

2024-12-27

Entre romance gótico y beats furiosos: así suena SCHRANK



Desde las sombras de Berlín, Johannes Stabel, líder de XTR HUMAN, desata su martillo envuelto en cuero con SCHRANK, una obra que fusiona la nostalgia de los años 80 con una potencia moderna que golpea como un vendaval. Este cuarto álbum de la banda se presenta como un manifiesto de fuerza emocional y una invitación a la introspección, retando a los oyentes a confrontar sus miedos y abrazar su fortaleza interior.

Las profundas y cautivadoras voces de Stabel evocan el romanticismo gótico de íconos como Bauhaus y The Sisters of Mercy, mientras que las bases de coldwave y EBM dan al álbum un carácter visceral y contemporáneo. Temas cargados de energía brutal contrastan con momentos de melancolía y reflexión, logrando un equilibrio entre la oscuridad y la determinación.

SCHRANK no es solo un álbum; es una experiencia inmersiva que refleja el espíritu de las raves clandestinas y las cavernas góticas de Berlín. La producción de Negative Gain Productions y Wie ein Gott Records asegura que cada detalle sonoro resuene con claridad y potencia. Este disco no sólo enciende las pistas de baile; también despierta una chispa en el alma de quien lo escucha.


2024-12-21

Entre caos y precisión: el brutal debut de Larmo con ALARM


El álbum debut de Larmo, ALARM, no se anda con rodeos. Desde los primeros segundos de la pista titular, el oyente es arrastrado a un paisaje sonoro industrial donde el caos y la precisión coexisten en un equilibrio brutal. Miroslaw Matyjasik, el cerebro detrás del proyecto, entrega una obra que desafía las expectativas, fusionando elementos de techno, illbient y ruido rítmico en una experiencia visceral y cautivadora.

Las percusiones son el alma de ALARM. Temas como "Grit" y "TECH (NIC)" son verdaderas lecciones de demolición controlada, con ritmos que golpean como un mazo mientras las texturas electrónicas abrasivas construyen un mundo distópico que, paradójicamente, tiene un orden meticuloso. Sin embargo, Larmo no se limita a la agresión sonora; momentos como "N.B x N.N.", con la voz de Gosia, ofrecen destellos de humanidad en un mar de máquinas, mientras que Paula añade un frenesí casi orgánico a "Gnat", como si el engranaje estuviera a punto de colapsar.

Lo que diferencia a ALARM de otros trabajos del género es su claridad de producción. Cada elemento, por ruidoso o abrasivo que sea, tiene su espacio, permitiendo apreciar la complejidad de las composiciones sin perderse en el caos. Incluso los momentos más caóticos, como "HNW X" y "HNW XX", mantienen una energía dinámica que evita el estatismo típico del harsh noise wall.

El cierre del álbum, con el remix de "Flat Breath" por Monya, da un giro final sorprendente. La reinvención de la pista no solo la despoja de su forma original, sino que la reconstruye con capas de bajo pulsante y ecos reverberantes, logrando un final que es tanto expansivo como claustrofóbico.

En ALARM, Larmo encuentra un nicho propio en la música industrial, explorando la relación entre el hombre y la máquina con una intensidad que resulta tan desafiante como hipnótica. Para los amantes del género, este álbum es una joya indispensable; para los curiosos, una puerta de entrada al mundo del ruido con propósito.



2024-12-20

Explora el universo de Pilgrim con la banda sonora de Melt Motif


 Melt Motif nos presenta la banda sonora de Pilgrim, el proyecto cinematográfico del aclamado artista visual Erik Ferguson. Este álbum no es sólo un acompañamiento musical, sino una extensión de la visión visual de Ferguson, fusionando texturas sonoras experimentales con la intensidad emocional de su cinematografía.

El tema "Corridor", acompañado por un hipnótico video dirigido por Ferguson, nos ofrece un adelanto de lo que será Pilgrim. A diferencia de las composiciones convencionales, Melt Motif adopta un enfoque vanguardista, creando paisajes sonoros cargados de ruido y atmósferas evocadoras. Este soundtrack no busca ser un conjunto de temas bailables, sino una obra que complementa la narrativa visual de la película.

Canciones como "You Can Have My Soul" y "Corridor" funcionan como puntos de entrada accesibles a este proyecto, manteniendo un equilibrio entre la experimentación sonora y la familiaridad melódica. A lo largo del álbum, la música de Melt Motif actúa como un portal que conecta al oyente con el universo visual de Ferguson, quien es conocido por su trabajo en Fantastic Fungi de Netflix y colaboraciones con artistas de renombre como Gorillaz y Rihanna.

Pilgrim (Original Motion Picture Soundtrack) es un testimonio de la sinergia entre música y cine, un viaje sensorial que trasciende formatos y redefine el potencial del arte audiovisual.

2024-12-16

Tecnología, humanidad y caos: la propuesta radical de ANARCHOTECH en Origin Stories

 


ANARCHOTECH, el proyecto del artista y DJ de Chicago Rob Boyle (alias DJ Sprite), nos presenta Origin Stories, un debut que se sumerge en las profundidades del electro-industrial y el techno. Con nueve temas y 52 minutos de duración, este álbum combina una precisión mecánica con una profundidad emocional, logrando un equilibrio entre el ruido rítmico y una atmósfera casi cinematográfica.

Desde los primeros segundos, Origin Stories se establece como una experiencia tanto introspectiva como enérgica. Las capas densas de sonido y los beats abrasivos invitan a explorar tanto la pista de baile como los rincones más oscuros de la mente. Canciones originales como "Chronos Break" y "Entropy Reign" transmiten una energía visceral, mientras que los remixes de iVardensphere y The Boundless añaden un pulso innegablemente bailable al conjunto.

La filosofía de ANARCHOTECH atraviesa cada nota. Inspirado por el transhumanismo radical y la capacidad subversiva de la tecnología, el álbum refleja una crítica al statu quo y una invitación a repensar las relaciones entre humanidad y poder en la era digital. No solo se trata de música, sino de un manifiesto sonoro que busca revolucionar no solo el oído, sino la conciencia.

Origin Stories es una carta de presentación contundente que blande nostalgia ochentera y la combina con una innovación moderna. Para quienes busquen algo más que beats pegajosos, ANARCHOTECH ofrece una experiencia sensorial y conceptual que redefine el electro-industrial contemporáneo.


2024-12-11

El debut de MINDREADER, Cope With Me, una experiencia entre la oscuridad y la luz



MINDREADER, presenta su EP debut, Cope With Me, un fascinante tributo a los sonidos oscuros del post-punk y el synthpop de los años 80, envuelto en una narrativa contemporánea. Con cinco pistas llenas de intensidad y una atmósfera envolvente, la banda demuestra su habilidad para combinar emociones profundas con paisajes sonoros hipnóticos.

El EP abre con "The Kill", una pieza donde los ritmos pulsantes y las vocales etéreas guían al oyente a un mundo sombrío y melancólico. Este tema, acompañado por un video galardonado en los Rome Prisma Film Awards, explora la inutilidad de un amor condenado. "Parasite" aumenta el ritmo con melodías inquietantes y una energía contagiosa que transforma la melancolía en una experiencia bailable.

"Leviathan" intensifica el viaje con sintetizadores que evocan ansiedad y una tensión dramática creciente, mientras que "Soft Pull" ofrece una introspección que contrasta con las demás canciones. Este tema amorosamente atmosférico resalta la dualidad entre dolor y esperanza en las relaciones. Finalmente, "Outsider" cierra el EP con una síntesis de los elementos característicos de la banda: letras conmovedoras, sintetizadores atmosféricos y un pulso electrónico constante.

Cope With Me es una obra que equilibra la intensidad emocional con el lirismo melódico, consolidando a MINDREADER como una adición destacada a la escena oscura y electrónica de Montreal. El EP no sólo homenajea a sus influencias ochenteras, sino que también forja un camino único en el paisaje contemporáneo.


2024-12-06

Sumérgete en el caos invisible con Through the Chaos de Echoberyl

 


Echoberyl nos transporta a un mundo de penumbras y misterio con su nuevo álbum, Through the Chaos, una obra que explora los límites de la realidad y los paralelismos entre nuestro yo y versiones alternativas de nosotros mismos. Este viaje sonoro está impregnado de atmósferas oscuras y personajes inquietantes que habitan dimensiones paralelas, creando una experiencia inmersiva que atrapa desde la primera escucha.

Tres años después de Mother Solitude and Other Dark Tales, el dúo regresa con una obra profundamente personal que rinde homenaje a la literatura de misterio y al encanto de las películas y programas de televisión de serie B. Las voces de Cecilia dan vida a personajes femeninos cautivadores y atormentados, mientras las texturas electrónicas dibujan paisajes sonoros cargados de emoción y melancolía.

El álbum, fruto de dos años de experimentación y dedicación, incluye sintetizadores antiguos adquiridos en mercados de segunda mano en París y una batería electrónica creada artesanalmente. Este enfoque "Hazlo tú mismo", combinado con la narrativa transpuesta que caracteriza a Echoberyl, convierte Through the Chaos en una reflexión sobre el caos que impregna nuestras vidas. Es una invitación a abrazar lo desconocido y a encontrar en estas historias ficticias un espejo de nuestra relación con la realidad.

Echoberyl logra convertir el caos invisible en un relato cautivador y profundamente humano. Un álbum que, sin duda, resonará entre los amantes de los sonidos oscuros y las historias que trascienden lo cotidiano.


2024-11-29

Un viaje emocional: el impactante debut de Oliver Decrow

 


El esperado álbum debut de Oliver Decrow, I'm Too Young To Die, se presenta como una introspección profundamente emocional que recorre los momentos más significativos y vulnerables de la vida del artista. A través de un conjunto de canciones que han sido interpretadas en vivo múltiples veces y que ahora llegan remasterizadas, Decrow explora temas como el duelo, el amor, la esperanza, el miedo y la valentía para enfrentar la vida.

Este álbum es una experiencia sonora que fluye entre lo personal y lo universal. La muerte de un amigo, los altibajos emocionales y la lucha interna son plasmados con sinceridad en cada pista. I'm Too Young To Die no solo es un testimonio de su capacidad artística, sino también un homenaje a las personas y experiencias que lo han moldeado.

Musicalmente, el disco destaca por su profundidad atmosférica y la habilidad de Decrow para evocar emociones crudas y auténticas. Cada canción parece una ventana al subconsciente del artista, invitando al oyente a emprender un viaje introspectivo a través de la esperanza, la pérdida y la posibilidad de renacer.

El resultado es un debut conmovedor y audaz que deja una marca imborrable, reafirmando que Oliver Decrow tiene mucho que ofrecer al mundo musical.


Envy: el regreso triunfal del trío sueco ME THE TIGER al synthpop


Después de seis años de espera, el trío sueco de música electrónica ME THE TIGER regresa con Envy, su cuarto álbum de estudio. Compuesto por ocho pistas de electro, este trabajo marca una nueva etapa para la banda, consolidándose como una referencia en la escena del synthpop y el electropop.

Envy explora el concepto de la envidia en sus múltiples facetas, combinando letras poderosas y una producción impecable que no pierde su característico enfoque en la solidaridad. Las melodías pegajosas y los ritmos energéticos se entrelazan con una narrativa lírica que invita a reflexionar, manteniendo el equilibrio entre el contenido emocional y lo bailable.

Con su lanzamiento bajo el sello sueco Progress Productions, el álbum refuerza la reputación de ME THE TIGER como una banda que se reinventa con cada entrega, sin perder la esencia que ha enamorado tanto a críticos como a su creciente base de fans. Desde sus primeras apariciones en festivales icónicos como M'era Luna y electriXmas, hasta este sólido regreso, la banda demuestra que su música es tanto un himno para las pistas de baile como una declaración artística.

Envy es una experiencia sonora que combina intensidad emocional y habilidad técnica, reafirmando a ME THE TIGER como uno de los nombres más importantes en la música electrónica contemporánea.


2024-11-27

Discerning Spirits: un viaje introspectivo tras iluminar las sombras

 

Con Discerning Spirits, A Sinister Light entrega un álbum que no sólo suena estupendo, sino que a través de una mezcla de sonido meticulosa, ritmos cuidadosamente elaborados y letras introspectivas, el disco aborda temas sociales y existenciales con una profundidad que atrapa desde la primera escucha.

La producción del álbum es impecable, ofreciendo una experiencia auditiva que se enriquece con cada reproducción. Los detalles en la mezcla permiten descubrir nuevas capas sonoras en cada escucha, convirtiendo a Discerning Spirits en una obra que premia la atención minuciosa del oyente.

A nivel temático, el disco cuestiona las normas sociales y explora las complejidades de la existencia humana, lo que lo convierte en un viaje tanto sonoro como intelectual. Su enfoque combina introspección y crítica social, envolviendo los mensajes en una atmósfera oscura y cautivadora.

Discerning Spirits es una propuesta que destaca por su capacidad de conectar emocionalmente mientras desafía la percepción del oyente. A Sinister Light logra un equilibrio entre lo etéreo y lo concreto, ofreciendo un álbum que resonará tanto por su mensaje como por su sonido.


Opio de Jean Cocteau


Opio de Jean Cocteau es un testimonio íntimo y poético del proceso de desintoxicación del autor tras años de adicción, donde mezcla reflexiones personales, aforismos y dibujos en una obra que trasciende lo autobiográfico para convertirse en una meditación sobre el arte, el dolor y la fragilidad humana. Con un estilo lírico y a veces surrealista, Cocteau transforma su experiencia en un relato profundamente humano que explora la lucha interna entre el deseo y la libertad, la creación y la autodestrucción, ofreciendo una mirada única a la relación entre el sufrimiento y la inspiración artística.


2024-11-23

Wakefield de Nathaniel Hawthorne


Wakefield de Nathaniel Hawthorne plantea una inquietante exploración de la identidad y la alienación a través de la historia de un hombre que, sin razón aparente, abandona a su esposa para observarla desde la distancia durante veinte años, sin desaparecer del todo ni regresar plenamente. Este relato breve y enigmático desafía al lector a reflexionar sobre la monotonía de la vida cotidiana, las decisiones inexplicables y la desconexión emocional, mientras Hawthorne examina con sutileza la fragilidad de los vínculos humanos y la capacidad de un individuo para desvanecerse dentro de su propia existencia. Su mezcla de misterio, introspección y crítica social lo convierten en una pieza fascinante e inquietante de la literatura gótica.

2024-11-22

Viaje interestelar: Robby Road combina techno ácido y pulsos industriales

 


Tras una ausencia que parecía definitiva, el enigmático colectivo alienígena 5F-X regresa a nuestra galaxia con Robby Road, un álbum que desafía los límites de la música industrial y electrónica. Compuesto por 12 temas que abarcan 65 minutos, este trabajo es un caleidoscopio sonoro donde se mezclan intensos ritmos industriales, techno ácido y atmósferas extraterrestres, logrando una experiencia auditiva completamente inmersiva.

Robby Road no es solo un álbum; es un viaje interestelar. Cada pista está diseñada como una aventura cósmica, llevando al oyente a través de paisajes sonoros que evocan el pulso rítmico de maquinaria celestial y los ecos lejanos de civilizaciones alienígenas. Desde los beats rotos hasta las capas etéreas de sintetizadores, cada momento está impregnado de una tensión casi cinematográfica.

Lo que hace a Robby Road aún más fascinante es su referencia a iconos de la cultura pop terrestre, como Autechre, Douglas Adams, The Beatles y Alien. Estos guiños aportan una capa de familiaridad a una propuesta que, por otro lado, resulta absolutamente única.

5F-X ha creado un álbum que es tanto un homenaje a la ciencia ficción como una exploración musical profundamente experimental. Es un disco que transporta al oyente a través de las vastedades del cosmos, invitándolo a perderse en los pulsos y texturas de una galaxia sonora propia.


2024-11-21

Trainspotting de Irvine Welsh

Trainspotting de Irvine Welsh captura de manera cruda y visceral la vida de un grupo de jóvenes en Edimburgo inmersos en la cultura de la heroína, la pobreza y la alienación social. Narrada con un estilo polifónico que alterna perspectivas y dialectos, la novela ofrece un retrato brutalmente honesto de una generación atrapada entre el nihilismo y la búsqueda de sentido. A través de personajes complejos y autodestructivos, Welsh expone los efectos devastadores de la adicción y la marginación, mientras cuestiona las estructuras sociales y económicas que perpetúan el ciclo. Su lenguaje audaz y su enfoque sin concesiones han convertido esta obra en un icono de la literatura contemporánea y de la contracultura.
 



2024-11-17

Nuevas capas de sonido para Hate Epoque (Remixes)

Con Hate Epoque (Remixes), Disco Morato y Varvara Pavlovna revisitan la intensidad emocional y artística de su álbum anterior, Hate Epoque, llevándolo hacia nuevos horizontes auditivos. En esta entrega, las versiones remezcladas de sus temas originales exploran territorios frescos dentro de la Electronic Body Music (EBM) y el Avant-Garde Dark Wave, añadiendo texturas aún más complejas y capas rítmicas sorprendentes.

Si el álbum anterior destacó por sus afilados ritmos sintéticos y voces sensuales, ahora, los remixes amplifican estas cualidades al mismo tiempo que ofrecen giros inesperados: ritmos más dinámicos, arreglos atmosféricos y una reinterpretación experimental de las emociones que subyacen en la "época del odio".

Cada remezcla se siente como una conversación entre artistas, un diálogo que retoma los temas de desamor, conflicto y sinceridad, pero los reviste de un nuevo carácter sonoro. Este álbum no sólo reimagina las canciones originales, sino que también amplía la narrativa emocional y artística de Disco Morato y Varvara Pavlovna. Hate Epoque (Remixes) es una prueba más de que, en el mundo de la música oscura y experimental, las posibilidades de reinvención son infinitas.



2024-11-16

Rayuela de Julio Cortázar


Rayuela de Julio Cortázar rompe las estructuras tradicionales de la novela al ofrecer múltiples formas de ser leída, invitando al lector a convertirse en un participante activo de la obra. A través de la historia de Horacio Oliveira y su búsqueda de sentido en el amor, la amistad y la existencia, la novela entrelaza reflexiones filosóficas, experimentación lingüística y un profundo retrato de la bohemia parisina y la vida en Buenos Aires. Este juego literario trasciende la narrativa lineal para abrir un laberinto de significados, convirtiéndose en una exploración única de la libertad artística y del papel del lector en la creación del texto. 


2024-11-15

El mundo de Sofía de Jostein Gaarder


Emundo de Sofía de Jostein Gaarder invita al lector a embarcarse en un viaje fascinante a través del tiempo y el pensamiento humano, siguiendo a Sofía, una joven que recibe enigmáticos mensajes que cuestionan su realidad y la llevan a explorar las mayores preguntas de la filosofía. Entre misterios, giros inesperados y reflexiones profundas, la historia entrelaza ficción y conocimiento, desafiando al lector a replantearse su lugar en el universo. Cada página abre una nueva puerta al entendimiento, mientras la línea entre el aprendizaje y la propia existencia de Sofía se difumina en un relato tan intrigante como revelador.

2024-11-09

El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad



El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad explora las profundidades de la naturaleza humana y la oscuridad moral del colonialismo a través del viaje de Charles Marlow por el río Congo en busca de Kurtz, un comerciante de marfil consumido por el poder. La novela revela cómo el encuentro con lo desconocido puede despertar los impulsos más oscuros, exponiendo las contradicciones y brutalidades del imperialismo europeo en África. A través de una narrativa envolvente y simbólica, Conrad plantea preguntas sobre la civilización, la corrupción y la fragilidad de la moral humana, dejando al lector confrontado con la ambigüedad entre el bien y el mal. Su estilo innovador y su crítica a la deshumanización han consolidado esta obra como un clásico que continúa resonando en el debate sobre la ética y el poder.
 

2024-11-08

El almuerzo desnudo de William Burroughs

 


El almuerzo desnudo de William Burroughs sacude los cimientos de la narrativa tradicional con su estilo experimental y su estructura fragmentada, que emula un viaje alucinante a través de los paisajes de la adicción, el control y la opresión. La novela sigue al antihéroe William Lee en una serie de episodios surreales que reflejan el caos y la alienación de una sociedad en decadencia, tocando temas de abuso de poder, dependencia y vigilancia. Publicada en un contexto de controversia y censura, la obra desafió las normas literarias y legales de su época, estableciéndose como un manifiesto de la contracultura y la libertad de expresión, e influyendo profundamente en la literatura contemporánea y en movimientos como el posmodernismo.



Trópico de Cáncer de Henry Miller

Trópico de Cáncer de Henry Miller desafía las convenciones literarias y morales de su época con un estilo profundamente personal y una prosa libre de tabúes, retratando la vida bohemia y marginal en el París de los años 30. Mezclando autobiografía y ficción, Miller presenta un relato crudo y sin filtros sobre sus experiencias y las de otros artistas en lucha contra la pobreza, el deseo y la desesperanza, explorando temas de sexualidad, libertad y existencia humana. Su lenguaje franco y su visión irreverente de la sociedad hicieron que la novela fuera censurada en varios países, pero su impacto transformador en la literatura abrió caminos hacia una mayor expresión artística y desafió los límites de la censura, dejando una huella profunda en el modernismo y la literatura del siglo XX.
Y en esta ocasión no comparto la opinión de algún booktuber, sino la propuesta sonora de una banda a la que este libro le influyó.



2024-11-07

Otra vuelta de tuerca de Henry James

 

Otra vuelta de tuerca de Henry James se distingue por su atmósfera ambigua y su profundidad psicológica, logrando una historia de terror que trasciende el género al centrarse en la mente humana. La novela sigue a una institutriz que, al cuidar a dos niños en una aislada mansión victoriana, comienza a sospechar que están siendo influenciados por fuerzas sobrenaturales. James juega magistralmente con la duda, dejando que el lector se pregunte si los fantasmas son reales o si son una manifestación de la psique perturbada de la institutriz, explorando así temas de inocencia, corrupción y la percepción de la realidad. Este enfoque innovador y su narrativa cuidadosamente construida han convertido la obra en un clásico que sigue inspirando análisis e interpretaciones.


2024-11-06

Crónicas marcianas de Ray Bradbury


 

Crónicas marcianas de Ray Bradbury tiene una manera única de combinar ciencia ficción y crítica social, explorando temas universales como el colonialismo, la destrucción ambiental, la guerra y la intolerancia. A través de una serie de relatos interconectados sobre la colonización de Marte por humanos que huyen de una Tierra autodestructiva, Bradbury construye un mundo en el que los habitantes originales de Marte y los colonos terrestres chocan, reflejando los errores de la humanidad y sus complejas emociones frente a lo desconocido. Su prosa poética y su enfoque en la condición humana elevan la obra más allá del género, convirtiéndola en un espejo que invita a cuestionar los valores y miedos de la sociedad moderna.

Posdata: esta edición de Minotauro tiene prólogo de Jorge Luis Borges.

A day in Rome de André Fichte

Sumérgete en la magia de Roma con A Day In Rome de Andre Fichte. Este elegante libro en formato de tapa dura te llevará a recorrer cada rincón de la Ciudad Eterna a través de 120 páginas a todo color, capturando su historia, cultura y belleza como nunca antes. Además, incluye 4 CDs con música tradicional que harán que te sientas paseando por las calles romanas, envolviéndote en su atmósfera única. Disfruta desde la comodidad de tu hogar de una experiencia inolvidable y déjate llevar por la esencia de Roma.










2024-11-05

A sangre fría de Truman Capote



La relevancia de A sangre fría de Truman Capote radica en su innovador enfoque narrativo y en cómo redefine los límites entre el periodismo y la literatura. Publicada en 1966, esta obra está basada en el brutal asesinato de la familia Clutter en Kansas en 1959. Capote realizó una extensa investigación, entrevistando a los habitantes del pueblo y a los propios asesinos, Perry Smith y Richard Hickock, para obtener una visión completa de los acontecimientos y de la psicología detrás del crimen. 

De la colección: Las 100 joyas del milenio. #92, se ha consolidado como una obra fundamental, no sólo en el género de la literatura de no ficción, sino también en el periodismo narrativo. Su enfoque ha influido en numerosos escritores y periodistas, inspirando un estilo que sigue vigente en el análisis de historias reales.


2024-11-04

Circuit Preacher debuta con Made to Burn: himnos para el Apocalipsis


 Made to Burn, el álbum debut de Circuit Preacher, nos sumerge en un futuro distópico de ritmos electrónicos pesados y melodías sombrías. Ambientado en el año 2222, el disco cuenta la historia de The Last Church of the Final Days, un culto clandestino que desafía al gobierno totalitario del sur de Estados Unidos. Circuit Preacher, líder de esta congregación subterránea, es un personaje que vive una doble vida: durante el día, empleado estatal; por la noche, pastor de una iglesia prohibida.

La narrativa de Made to Burn convierte al álbum en un espacio sonoro donde se expresa la resistencia contra SIREN, una red de monitoreo y entretenimiento que vigila cada movimiento de la ciudadanía a través de implantes neuronales. Sin embargo, algunos congregantes logran burlar la vigilancia y se reúnen en sótanos y corredores ocultos, donde las canciones del Circuit Preacher se convierten en himnos de resistencia y espiritualidad para el final de los tiempos.

Con letras llenas de sarcasmo y crudeza, el álbum revela verdades sobre el control y la manipulación de masas en un contexto de desesperanza, en el que "las palabras pueden mantenernos de rodillas". Made to Burn no es solo un disco; es un mensaje oscuro, evocador y potente. Con sus fuertes influencias de música electrónica industrial y una atmósfera que anticipa un colapso, Circuit Preacher desafía a sus oyentes a preguntarse si están dispuestos a unirse a esta última rebelión espiritual.


2024-11-01

La esencia de los 80 resucita con Date at Midnight y su último álbum


Fading Into This Grace, el esperado tercer álbum de Date at Midnight, marca un regreso majestuoso a la escena Dark Wave y Post-Punk. Este lanzamiento, que sigue a su aclamado Songs To Fall And Forget de 2016, recupera la esencia oscura de los 80 con guitarras profundamente nostálgicas y una producción que mezcla arreglos electrónicos con un toque melódico y envolvente. A través de sus once temas, Date at Midnight captura la esencia del gótico de antaño y renueva su sonido con fuerza y sofisticación.

Desde el primer tema, "Rendez-vous", que explota con una energía punk y llena la pista de baile con su intensidad post-punk, hasta "The Line", una canción que evoca el ambiente brumoso y casi ritual de The Fields of the Nephilim, el álbum ofrece una mezcla cuidadosa entre la nostalgia y la innovación. Canciones como "Another Grace" y "No Contract - Red Zone" revelan el dominio del deathrock de la banda, recordando a los primeros Christian Death, mientras que la melancólica “Carmilla” aporta un respiro pop oscuro con un estilo cercano a The Cure.

Sin embargo, mientras las primeras pistas impactan con su fuerza y precisión, los últimos temas, si bien interesantes, carecen del mismo peso emocional, dejando una sensación algo más etérea. Fading Into This Grace sigue siendo un gran álbum que encarna el espíritu del gótico contemporáneo y confirma a Date at Midnight como un referente actual de la escena Dark Wave italiana.


2024-10-31

Mecaník Fabrík presenta Des-construcción: un viaje crudo y etéreo en el Techno-Industrial


Des-construcción, el EP de Mecaník Fabrík, es una propuesta sonora audaz y envolvente que nos lleva a un viaje a través de la Electronic Body Music y el Techno Industrial, impulsado por la creatividad de Brianda Yuriar, también conocida por su proyecto Rare Voltage. Cada track fusiona texturas crudas y metálicas con ritmos intensos y deliberadamente pausados, logrando un contraste que amplifica la energía en cada golpe de beat.

En esta producción, la distorsión de las voces y los loops vocales generan un ambiente hipnótico que, combinado con la potente programación de secuencias y sintetizadores, atrapa al oyente en una experiencia que, como si cada sonido fuese ensamblado dentro de una fábrica musical. El EP no pierde intensidad; cada capa sonora parece cuidadosamente pensada para transportarnos a un mundo donde lo mecánico y lo etéreo se amalgaman en un sólo universo.

Mecaník Fabrík da un giro introspectivo a la música electrónica, jugando con la repetición y la dureza del sonido industrial para crear algo más allá de lo esperado en la escena mexicana. Sin duda, Des-construcción es una obra que invita a explorar la tensión entre lo humano y lo maquinal, mientras los loops vocales y los golpes rítmicos resuenan en cada compás con una fuerza renovadora.


2024-10-17

Locust Revival desafía lo convencional y brilla en su atrevido THE NEW CURE ALBUM


THE NEW CURE ALBUM de Locust Revival se presenta como un audaz homenaje a la individualidad y la irreverencia, rompiendo esquemas musicales con un enfoque que desafía las expectativas. La banda australiana, conocida por su estilo oscuro y atmosférico, nos sumerge en un universo post-punk y gótico cargado de emociones intensas y texturas sonoras profundas.

El sencillo "LOCUST HAUS" es un claro ejemplo de la capacidad del grupo para fusionar la melancolía y la energía. Las guitarras envolventes, características del sonido de Locust Revival, acompañan una línea rítmica que, junto a la desgarradora interpretación vocal, mantiene una sensación de inminente catarsis. 

El álbum, lanzado en agosto, es una experiencia inmersiva que celebra a aquellos que no encajan en los moldes tradicionales. Como los mismos músicos señalan, THE NEW CURE ALBUM está dedicado a los inadaptados y a quienes se atreven a vivir a contracorriente. Las guitarras son exuberantes y los arreglos, aunque enraizados en la nostalgia del post-punk, exploran territorios nuevos y emocionantes, lo que convierte a este álbum en una montaña rusa emocional, llena de giros inesperados y momentos que sorprenderán incluso a los oyentes más veteranos.

Este trabajo no sólo reafirma la maestría de Locust Revival en la creación de paisajes sonoros oscuros, sino que también es un recordatorio de que la música puede ser un espacio donde la libertad y la autenticidad brillan más que cualquier estándar comercial.



2024-10-10

"DeathFauna: atmósferas sombrías y ritmos pulsantes en sus nuevos EPs instrumentales


Con Forever Ends y This World Is Not Yours, DeathFauna se adentra en un territorio sonoro que fusiona la crudeza del post-punk con la atmósfera introspectiva del minimal wave. Ambas publicaciones son completamente instrumentales, destacando al bajo como protagonista absoluto, cuya resonancia oscura y pulsante marca el tono de cada composición.

En Forever Ends, las líneas de bajo se despliegan con una profundidad emocional que captura la esencia del desasosiego y la melancolía, creando un viaje envolvente donde las bases rítmicas, cargadas de una estética post-punk, construyen un ambiente sombrío y hipnótico. Las influencias minimalistas añaden una capa de simplicidad poderosa, donde cada nota parece flotar en el aire con intención calculada.

Por otro lado, This World Is Not Yours mantiene la misma base instrumental, pero introduce un dinamismo rítmico más experimental. Las estructuras sonoras, aunque similares en su base, tienden hacia un minimal wave más directo, con patrones repetitivos que profundizan en una cadencia más mecánica y fría. Es en esta simplicidad donde DeathFauna encuentra su fortaleza, logrando transmitir una complejidad emocional a través de la mínima intervención instrumental.

Estos dos EPs destacan por su capacidad para transmitir emociones sin necesidad de letras, con una atmósfera sonora que explora paisajes oscuros y melódicos, convirtiéndose en una experiencia inmersiva para los amantes de los sonidos más introspectivos y experimentales.



2024-10-03

"Ritmos hipnóticos y crescendos eufóricos: el debut de NZM 99 redefine la noche



Con su EP debut Crowning Oppression, NZM 99 irrumpe en la escena electrónica con una propuesta vibrante y audaz que promete redefinir la experiencia nocturna. A lo largo de sus cuatro pistas, el dúo fusiona ritmos hipnóticos con melodías intrincadas, creando un viaje sonoro que desafía los límites de la música electrónica.

El tema que da título al EP, Crowning Oppression, abre con un ritmo implacable que envuelve al oyente en un trance magnético, mientras que las capas melódicas van tejiendo una atmósfera de tensión creciente. Cada pista sigue elevando la energía, culminando en un cierre explosivo lleno de crescendos eufóricos que muestran la maestría de NZM 99 en la manipulación del sonido y la composición.

Este debut no es sólo una colección de canciones, sino una declaración de intenciones: NZM 99 se posiciona como una fuerza a tener en cuenta dentro del panorama de la música electrónica. Su enfoque innovador y la capacidad para mezclar energía cruda con sofisticación melódica hacen de Crowning Oppression un manifiesto para aquellos que buscan experiencias sonoras que vayan más allá de lo convencional.

NZM 99 no sólo invita a los oyentes a perderse en la noche, sino a dejarse llevar por la música hacia nuevas dimensiones de euforia y liberación.


2024-10-02

Vlimmer deslumbra con Vielzuviel y su oscura versión de Sonic Youth


Vlimmer regresa con Vielzuviel, anticipando el lanzamiento de su cuarto álbum Bodenhex, programado para el 25 de octubre. Esta nueva entrega sigue demostrando la capacidad del artista para fusionar géneros, ofreciendo una mezcla envolvente de shoegaze y post-punk con toques de baroque wave y una vibrante estética gótica.

Vielzuviel es una exploración profunda y atmosférica donde las capas de guitarras distorsionadas se entrelazan con una base rítmica oscura y penetrante, creando un paisaje sonoro que es al mismo tiempo etéreo y visceral. La voz de Vlimmer flota en esta densa atmósfera, evocando una sensación de exceso emocional, un tema que resuena en todo el sencillo.

Por otro lado, la cara B nos sorprende con una reinterpretación única de I Love You Golden Blue, de Sonic Youth. En esta versión, Vlimmer transforma el clásico en una obra de darkwave alemana, añadiendo una capa de oscuridad que lo hace completamente suyo sin perder la esencia melancólica del original.

Este sencillo, con su combinación de sonido nostálgico y moderno, confirma que Vlimmer sigue empujando los límites de la música darkwave y post-punk, prometiendo mucho para su próximo álbum Bodenhex.


2024-09-27

Clarence brilla en la escena alternativa con el lanzamiento de Smudge


Clarence, la talentosa artista bordelesa, ha logrado cautivar a la escena alternativa con su álbum debut Smudge, una obra que mezcla dream pop y shoegaze con una sutileza deslumbrante. Influenciada por leyendas del shoegaze como Slowdive y My Bloody Valentine, Clarence (alias Clarisse Cante) nos ofrece diez temas impregnados de melancolía, donde su voz delicada flota sobre una atmósfera de guitarras distorsionadas y reverberaciones profundas.

El tema Stay, lanzado en exclusiva, ejemplifica a la perfección la esencia de Smudge: una mezcla de fragilidad vocal y fuerza instrumental. La canción comienza con una atmósfera íntima y soñadora, para luego explotar en un final ruidoso y emocional, dejando al oyente en un estado de introspección absorbente. Clarence nos sumerge en un mundo donde la melancolía se entrelaza con la fuerza sonora, creando un paisaje musical en el que las emociones fluyen y se disuelven como manchas que se propagan en un lienzo.

Smudge es una experiencia inmersiva, una travesía a través de sonidos suaves y abrasivos que logran equilibrar lo etéreo con lo intenso. Clarence ha dejado una marca indeleble en el shoegaze contemporáneo, haciendo de su álbum un imprescindible para los amantes del género.


2024-09-26

Silences We Shared: Celluloide reimagina sus clásicos con la tecnología original de hace 20 años



Celluloide, la banda de synthpop francesa, celebra el aniversario de su álbum Words Once Said con el lanzamiento de Silences We Shared, una colección de remixes que reinterpreta algunos de los temas más emblemáticos de su segundo álbum. Este trabajo no es simplemente un ejercicio nostálgico, sino un experimento de retro-ingeniería.

Lo que hace a este álbum particularmente especial es que los remixes han sido recreados usando los multi-tracks originales de 2003 en el mismo equipo y software musical que utilizaron para grabar el álbum hace 20 años. La banda se propuso volver a esa época, creando un trabajo que no sólo refleja su fidelidad a sus raíces, sino que también se siente fresco y revitalizado.

En Silences We Shared, los oyentes podrán experimentar un viaje auditivo único, donde los sintetizadores retro y las melodías minimalistas se combinan para evocar la esencia de los primeros años de Celluloide, con una mezcla perfecta de nostalgia y modernidad. Este álbum es un verdadero deleite para los fanáticos de la banda, especialmente aquellos que buscan revivir la magia de su segundo disco desde una nueva perspectiva.


2024-09-25

Más de cuatro décadas de fidelidad a su sonido: Pet Shop Boys lanzan Nonetheless



El icónico dúo británico Pet Shop Boys regresa con su nuevo álbum Nonetheless, lanzado a través de Parlophone Records. En Nonetheless, Pet Shop Boys nos llevan por un viaje más sobrio y minimalista que en trabajos anteriores, evocando una gama de emociones sobre la condición humana sin caer en lo terapéutico o clínico. Comparado con su oscuro y profundamente introspectivo álbum de 1989, Introspective, este lanzamiento se siente complejo, cerebral y emocional, pero sigue siendo accesible para el oyente.

A pesar de ser un disco para fanáticos que ya conocen su estilo, Nonetheless muestra que los Pet Shop Boys siguen siendo fieles a sus raíces después de más de 43 años en la industria. No buscan innovar radicalmente, sino reafirmar su identidad electro-pop mientras exploran nuevas áreas sonoras, con una mezcla de lo cerebral y lo sentimental. La capacidad del dúo para mantenerse vigente mientras se mantienen fieles a sí mismos es palpable en cada uno de los temas.

2024-09-24

¿Por qué leer poesía te fortalece?

 


Leer poesía es como hacer ejercicio para el cerebro. Así como cuando juegas o corres te vuelves más fuerte y ágil, cuando lees poesía, tu mente se vuelve más lista y rápida para entender el mundo que te rodea. Y hoy te explicamos porqué:

Las palabras tienen poder

Cuando lees poesía, aprendes a ver las palabras de manera diferente. Un poema puede decir muchas cosas con pocas palabras, y eso te enseña a pensar de manera más profunda. Al entender bien lo que lees, te das cuenta de cuando alguien intenta convencerte de algo que no es cierto, o cuando no te están diciendo toda la verdad.

Por ejemplo, si alguien te dice que debes hacer algo porque “todos lo hacen”, tú puedes preguntarte: ¿Es eso realmente cierto? ¿Por qué debería hacerlo sólo porque otros lo hacen? La poesía te ayuda a cuestionar lo que escuchas, a buscar significados y a no aceptar todo sin pensar.

Te enseña a interpretar y entender

La poesía está llena de metáforas, comparaciones y símbolos que no siempre son fáciles de entender. Pero cuando lees más poemas, te acostumbras a descifrar lo que significan. Esto es como resolver acertijos. Al volverte bueno en esto, también te haces mejor en entender lo que otras personas te dicen o te quieren hacer creer.

Por ejemplo, si en un comercial de televisión te dicen que necesitas algo para ser feliz, sabrás que están exagerando. Al leer poesía, aprendes a mirar más allá de las palabras y a pensar por ti mismo.

Te hace más creativo

La poesía te invita a soñar, imaginar, y ver el mundo de diferentes maneras. Cuando tienes una mente creativa, puedes encontrar soluciones diferentes a los problemas, y no siempre sigues a los demás sólo porque te lo dicen. Ser creativo significa que puedes encontrar tu propio camino, y no depender siempre de lo que te dicen.

Imagina que te dicen que sólo hay una forma de resolver un problema en clase, pero como tú lees poesía, sabes que hay muchas maneras de ver las cosas, y puedes descubrir una solución que otros no pensaron.

Te ayuda a expresar tus emociones

A veces las personas pueden intentar hacerte sentir miedo o inseguro para que hagas lo que ellos quieren. La poesía te enseña a conocer y expresar tus propias emociones. Cuando entiendes lo que sientes y sabes cómo expresarlo, no es tan fácil que alguien te manipule usando tus emociones.

Por ejemplo, si estás triste o enojado, puedes escribir un poema o entender lo que sientes leyendo uno. De esa manera, cuando alguien quiera aprovecharse de tu tristeza o enojo para hacerte tomar una mala decisión, estarás más preparado para no dejarte llevar.

Te invito a que empieces a leer, poemas pequeños como los haikús, verás que con el tiempo aprenderás a leer textos más complejos.

Ritmos pulsantes y creatividad sin límites: Aesthetische impacta con Confidence Is Silent


El dúo brasileño de electro Aesthetische, compuesto por Fab Viscardi y Gui Pires, regresa con un poderoso EP de seis temas titulado Confidence Is Silent, donde logran mezclar con maestría el oscuro dinamismo de la música dance con ataques cibernéticos de EBM (Electronic Body Music) y estribillos irresistibles de future pop. Este trabajo confirma una vez más la destreza de Aesthetische en la producción y su capacidad para fusionar géneros sin perder su identidad.

El tema que da título al EP, "Confidence Is Silent", es un guiño directo a influencias como Cyberaktif y Front Line Assembly, creando una atmósfera oscura y poderosa que se combina a la perfección con el pegadizo himno EBM-pop "Nudity". Otro momento clave del EP es "The Hidden Layer", una pista contundente de EBM que lleva al oyente a través de un viaje mental con su fuerza y ritmo incesante.

El EP también incluye una sorprendente incursión en terrenos más experimentales con "Everything Ends," un paisaje sonoro industrial y sombrío que refleja la versatilidad del dúo. Aesthetische demuestra que domina a la perfección la producción y la escritura de canciones, con detalles pulidos y una ejecución que los coloca como líderes en la escena underground del techno y EBM.

Con Confidence Is Silent, Aesthetische invita a sus seguidores a rendirse ante los pulsos rítmicos de sus creaciones y dejarse llevar por una aventura sonora intensa y electrizante. Cada tema es una inmersión en un universo diferente, ofreciendo una experiencia única en la pista de baile.


2024-09-23

Star 10110: El viaje gélido y atmosférico de Walter Frosch

 


El dúo suizo Walter Frosch, compuesto por Mike Saxer y Rune Dahl Hansen, ha lanzado su más reciente creación Star 10110, un álbum que nos sumerge en un mundo sonoro cargado de texturas gélidas, percusiones fantasmales y una niebla electrónica envolvente. Inspirándose en la rica tradición de los pioneros del synth suizo como Grauzone y Mittageisen, y añadiendo toques contemporáneos de dream-pop narcotizado, Walter Frosch logra un equilibrio entre el post-punk más agudo y un synthpop que irradia melancolía.

Star 10110 se compone de ocho pistas donde los ritmos downtempo helados se entrelazan con vibrantes líneas de bajo y profundas atmósferas. Cada tema, con sus pulsaciones electrónicas y melodías inquietantes, mantiene al oyente en un estado de fascinación constante. La combinación de percusión de club y tonalidades frías genera una energía latente que se desenvuelve lentamente, creando una experiencia sonora que oscila entre la melancolía y lo celestial.

Walter Frosch logra, con este álbum, transportar al oyente a un mundo crepuscular lleno de texturas glaciares y un atractivo empíreo. Sus sintetizadores rapturantes y los bajos propulsivos actúan como el latido constante que guía al oyente a través de paisajes sonoros misteriosos y atmosféricos. Star 10110 no es solo un álbum, sino una inmersión en la estética electrónica más gélida y evocadora que la música suiza actual tiene para ofrecer.


2024-09-19

Yolanda Castaño y la profesionalización de la poesía: Un termómetro de desarrollo




El ensayo más reciente de la poeta gallega Yolanda Castaño, Economía e poesía: Rimas internas, es una reflexión sobre la relación entre la profesionalización de la literatura y el nivel de desarrollo cultural de un país. La autora, ganadora del Premio Nacional de Poesía 2023, sostiene que el número de poetas que pueden vivir de su oficio es un reflejo del progreso de una nación y de la importancia que esta otorga a su cultura.

Castaño compara países como Alemania y Suecia, donde existen ayudas que permiten a escritores dedicarse plenamente a su arte, con la realidad de España y Galicia, donde esas medidas todavía son una aspiración lejana. Estas subvenciones, que Castaño describe como "un sueldo mínimo para poder dedicarte en cuerpo y alma a la literatura", son vistas por la poeta como fundamentales para evitar que la escritura sea sólo accesible para quienes pueden permitirse no ser remunerados por ello.

En su ensayo, Castaño aborda lo que denomina el "divorcio" entre economía y poesía, un fenómeno que considera heredado de una visión romántica que asocia la poesía a una espiritualidad separada de las condiciones materiales. Esta desvinculación, según la poeta, ha llevado a la marginalización del oficio y a la creación de una brecha de clase en el ámbito literario. Para la autora, es esencial reivindicar la poesía como una profesión legítima que debe ser compensada como cualquier otra actividad creativa.

Castaño también destaca el papel de las instituciones públicas en la profesionalización de la poesía. Según ella, el mercado no es suficiente para sostener ciertas disciplinas creativas, y las instituciones deben intervenir para preservar formas de expresión menos comerciales, como la poesía, frente a la predominancia de manifestaciones culturales masivas.

Yolanda Castaño no sólo defiende la necesidad de que los poetas reciban una remuneración justa, sino que promueve un sentido de comunidad y conciencia gremial, reconociendo que la creatividad no puede ser un privilegio reservado para unos pocos. Su lucha por una mayor profesionalización de la poesía es, en esencia, una lucha por la democratización del arte y la cultura.

Fuente: Efe



2024-09-16

Euphoria: La perfecta fusión entre el arte sonoro y la crítica social según Monya

 Con Euphoria, Monya reafirma su posición como una de las figuras más influyentes del techno industrial contemporáneo. Desde su debut en HANDS en 2019, la productora alemana ha sido reconocida por su habilidad para fusionar lo personal y lo político a través de un sonido intrépido y profundamente experimental. En este nuevo álbum, compuesto por 11 pistas que abarcan 64 minutos, Monya nos sumerge en una experiencia tanto física como intelectual, explorando la intensidad y la introspección.

Cada tema en Euphoria es una obra en sí misma, donde secuencias de EBM, voces inquietantes y contundentes beats techno se entrelazan para crear un paisaje sonoro único. Monya logra un delicado equilibrio entre la velocidad y la intensidad de sus composiciones, permitiendo que cada elemento brille por sí solo. Desde los ritmos pulsantes que incitan al movimiento hasta las atmósferas más densas y emocionales, el álbum es una travesía por los extremos del techno industrial.

A nivel temático, Euphoria es un testimonio de la capacidad de Monya para transformar su arte en un comentario social. Las luchas internas y los temas políticos se entremezclan, mostrando cómo la música puede ser un vehículo tanto para la expresión personal como para la crítica cultural. Cada pista de este álbum no solo estimula los sentidos, sino que también invita a la reflexión sobre cuestiones profundas.

Euphoria es una obra maestra de sonido y significado, que muestra a Monya en su forma más pura: una artista que no tiene miedo de explorar los rincones más oscuros y, al mismo tiempo, exponer las tensiones del mundo que la rodea.


El arte de rasgar el sonido: Craig Dyer presenta su álbum más experimental

  C on Décollage , su duodécimo álbum de estudio, The Underground Youth da un giro audaz y meticuloso a su trayectoria sonora. Liderados por...