El príncipe lisérgico del celuloide (I)

Primera Parte

Noél Enrique Olivera

Ken Russell vagaba escribiendo y fotografiando en estudios de TV de la BBC. Sus primeros filmes pasaron casi totalmente desapercibidos y la crítica lo ignoró hasta el año 1968, en que registra su dirección en el largometraje WOMEN'S IN LOVE (Glenda Jackson, Oliver Reed) Permanentemente mostrando su pasión por la música clásica (y por los músicos clásicos) escribió y dirigió en 1970 el film THE MUSIC LOVERS, en donde trata la vida y obra de Piotr Illych Tchaikovsky. El despliegue iconoclasta de Russell, sus constantes citas líricas, su comprensión de las partituras originales: el film abre en un "scherzzo concertante" que deriva en devaneos sexuales del maestro ruso con su novio, Tchaikovsky había escrito su primer concierto para piano y orquesta, y había escrito algo revolucionario del punto de vista conservador de las escuelas musicales de la época, cuyo maestro Rubinstein, no concebía de ninguna manera: tocar un concierto en octavas era algo rústico, casi folklórico, que la sociedad musical no iría a permitir. Tchaikovsky (Richard Chamberlain) es subyugado por el amor enfermizo de Antomina Petrokova (Glenda Jackson) y esta relación en el film aumenta los niveles de los límites de lo bizarro y lo pueril. Para el final, una cruenta escena del manicomio en donde reside "Nina", la esposa del maestro con un fondo del Adagio de la Sinfonía Patética, opus 6, que Tchaikovsky escribió en su exilio en USA. 

Brillante interpretación del "Príncipe Lisérgico del Celuloide" del universo interior del compositor-maestro, con todos sus demonios y sus ángeles en pugna.

Andrea Mármol

Séverine Grosjean

Andrea Mármol trata de concientizar sobre la violencia, la condición de las mujeres, la relación con el cuerpo a través de "ejercicios" ilustrando estas preocupaciones universales. Para Andrea, el arte es un trabajo social explorando  un silencio palpable sobre la historia pasada y actual de Guatemala pero también global. La pintura, el vídeo o las acciones públicas son herramientas experimentales que ella explota. Esto es particularmente el caso en su  trabajo realizado en 2010 llamado RiKach '(el chicle) en el cual el cuerpo de cada persona se convierte en un lápiz imaginario. En diferentes lugares de la ciudad, Andrea "sigue" la ocupación del espacio por la gente conectando los chicles tirados al azar al suelo. Ella representa la deriva situacionista del peatón en un territorio. La suciedad diaria proporciona un trabajo estético y decorativo. El movimiento de los seres humanos y sus  conexiones “desconocidas” se vuelven visibles. Esta acción temporal  lúdica, solitaria se hace colectiva cuando tomen conciencia de la unidad de sus historias personales. El  espectador-actor, entre el diálogo y la resistencia, percibe este espacio público como propio. En este trabajo, Andrea estudia el cuerpo en un espacio de forma pictórica  y  física. La acción refleja la imagen de un conjunto de sensaciones y percepciones donde todo el mundo tiende a caminar  uno hacia el otro. 

Los trabajos de esta joven artista es una reflexión transgeneracional de temas sociales, en particular la de la condición de la mujer. En su obra titulada "Asesinas en serie", compuesto por 8 piezas, intenta desafiar por la pintura percepciones inusuales, como la mujer asesina. En esas pinturas foto-realistas al aspecto borroso representando esas mujeres en su ámbito cotidiano, aborda el fenómeno de lo Habitual en una sociedad que no ha sanado sus vicios como puede ser nuestro contacto con la violencia. En este trabajo, la violencia se ha  convertido en un evento familiar, como una representación de una naturaleza muerta .A lo largo de la historia del arte, la representación de las mujeres ha sido santificada, sublimada, erotizada, pero desde el siglo XX, el cuerpo de la mujer ha sufrido tratamientos más atrevidos. Algunos de estos paradigmas son todavía difíciles de aceptar como en una sociedad conservadora como Guatemala En otros trabajos habla del aspecto de la mujer víctima, insultada, herida o silenciosa como en sus  vídeos "Julia" o " Serás feliz" en referencia al enfoque de la mujer en la cultura de las telenovelas. 

Unos trabajos suyos tienen un carácter más lúdico casi infantil como "Mutación". A través de una serie de fotografías, se puede identificar el cuerpo de Andrea en escena de inflexión. La mutación del cuerpo del artista se convierte en un monstruo por la adición de orejas,  narices  y globos. Redefine el cuerpo y sus posibilidades híbridas. Explora una cierta belleza del cuerpo sexual, físico, mental con esas experiencias artísticas empujando los límites del espectador. 

Jorge Linares

Séverine Grosjean

Los trabajos de Jorge Linares se inspiran en teoría de los “no lugares”, propuestas por el antropólogo francés Marc Augé y los textos de Michel Foucault de “los espacios otros”, que hacen referencias a las hetereotopías. Partiendo de esta observación, Jorge aborda el paisaje urbano a través del uso de la fotografía combinada con el vídeo principalmente. Usa aparatos tecnológicos, símbolos del desarrollo industrial y social contemporáneo como extensiones del humano. Jorge, habla de su trabajo artístico como una investigación desde las artes visuales con énfasis en fenómenos sociales, creando nuevas formas espaciales e imágenes producidas desde la Ciudad de Guatemala. Ofrece una reconfiguración espacial y social, mediante la integración en un entorno de elementos dinámicos; generando nuevas relaciones y situaciones urbanas. Propone un cierto "imaginario" de una sociedad acentuando los efectos del consumo masivo y los conflictos económicos y sociales urbanos.

Recicla el espacio lleno como vacío. Este es particularmente el caso en su obra escultórica titulada "Al Vacío". Con resina pigmentada, da forma a "vacíos" cotidianos, como los empaques de los productos industriales. Representan contradicciones contemporáneas donde coexisten zonas intermedias, la cara invisible de la globalización.

Inspirado por procesos digitales de animación, la era post-industrial y la arquitectura; crean una mutación de cuerpos geométricos dinámicos insertados en el paisaje que contiene a la ciudad, como en el video "Cuerpos Extraños", trata de emprender dimensiones que escapan de la experiencia humana. El espacio parece alienado, híbrido, afectado por signos diarios como el transporte o la publicidad; convirtiendo a la ciudad en una escenografía muy geométrica, un simulacro de la realidad. Su obra "Polución x 3.1416" y "Contaminación visual", revelan los usos y potencialidades de la ciudad saturada. Esta reconquista del espacio da a conocer una ciudad frágil, caótica, rodeada de un paisaje natural violento por la carga vehicular o las construcciones expandidas, alterando nuestra percepción.

Estudia los movimientos de la población conyugado con el crecimiento de la comunicación instantánea, un mundo en el que podemos hacer todo sin moverse y sin embargo en el que nos movemos, como lo demuestra en su obra "Google". Jorge toma una posición crítica hacia la globalización, coloca un letrero en neón de la marca Google, en un balcón del Palacio Nacional de Guatemala. Contrapone un símbolo del poder de Internet con un símbolo del poder político.

Cuestiona el desarrollo económico y la noción de exclusión en su trabajo fotográfico, en la obra “sin título”, donde aparece un hombre sentado de espalda a los referentes de los elementos de la ciudad; como lo es el alumbrado público. Selecciona experiencias familiares, banales positivas y negativas enfrentándose al pensamiento contemporáneo sobre la relación del hombre con su entorno. Jorge Linares hace viajar al hombre a través de los sonidos, paisajes, objetos de la ciudad.

David Rubio Esquivel

Jorge León

Séverine Grosjean

El trabajo de Jorge León es como su vida, violenta, poderosa, provocativa, dolorosa, visceral, cruda y cínica. Con el video-performance, la pintura y la instalación, Jorge aborda los temas políticos y sociales de la sociedad guatemalteca.

Encuentra su vocación realizando tatuajes, motivado por una historia muy íntima en las zonas peligrosas de la capital. El tatuaje es un símbolo de la cultura popular representando una pertenencia, un poder o estatus. Es una segunda piel. Jorge lo integra en uno de sus proyectos  con un espíritu crítico abordando la cuestión de la discriminación social. Provocador, denunciante, consumista define este proyecto en el cual Jorge se tatúa en los pies el logotipo de "Nike". Declina esta imagen haciendo eco a esta búsqueda diaria del hombre: el hecho de ser alguien. Su objetivo es salir de las conveniencias para ir más allá de las normas sociales. Nos habla de esta interfaz entre el mundo y nosotros mismos y de esta relación  “perversa” tan fértil con ciertos códigos. La marca tiene la intención de llevar un mensaje a uno mismo y a los demás. Teniéndolo nos convertimos en otra persona, nos apropiamos de una nueva identidad.

Sus obras son de alguna manera una forma de purificar el cuerpo y liberarse. Jorge pone su cuerpo a prueba a través de sus performances. Es un lugar de sacrificio y leyendas donde se explora la relación entre el cuerpo, el espacio y la sociedad. Este es particularmente el caso de una de las obras más llamativas titulado "El Círculo". En este último se cose la boca provocando el silencio del público. A través de este acto voluntario, denuncia el silencio durante el conflicto armado, confirmado por el público permaneciendo silencioso ante esta acción brutal. El silencio habilita, afirma y niega a la vez. Altera los canales de una comunicación en crisis. Es el silencio de la  muerte.

La importancia del entorno en el trabajo de Jorge es significativa hablando de la construcción identitaria. Este es el caso en su video-performance "Estudio de luz y sombra", en referencia a la pintura de Rembrandt " El buey desollado". En este proyecto creando un doble efecto de atracción y aversión, Jorge permanece durante horas envuelto en el cuerpo del buey muerto como imagen del útero. Después de haber tenido una relación difícil con una madre ausente, es una manera para él regresar a su origen. Revive un viaje simbólico. Jorge renace.

Algunas de sus obras son similares a los del arte cinético. Las imágenes parecen moverse como en su obra "Colonia". Estas obras juegan con la perspectiva representando el hábitat cubico símbolo de la estabilidad. En esta serie nos muestra con la simplificación de los códigos visuales figuras en cualquier posición en un espacio social indefinido. Proporciona un espacio dado por la ilusión de volúmenes ubicados de forma dispersa o compactada en una hoja de papel u otros soportes. El trabajo de Jorge de León está ligado a la vida cotidiana frágil de la ciudad de Guatemala. Se interesa en este trabajo en la construcción de viviendas abordando en este sentido las diferentes clases sociales.

En resumen, la obra de Jorge León está impregnada de la frase de Nietzsche " Haz de cada una de tus debilidades una fortaleza " porque es cayendo que nos fortalecemos.